Renaissancemuziek

Een groep Renaissance -muzikanten in Het concert (1623) door Gerard Van Honthorst

Renaissancemuziek wordt traditioneel gezien als de Europese muziek van de 15e en 16e eeuw, later dan de Renaissance Era zoals het wordt begrepen in andere disciplines. In plaats van te beginnen vanaf het begin van de 14e eeuw ars nova, de Trecento -muziek werd behandeld door muziekwetenschap als een coda voor Middeleeuwse muziek en het nieuwe tijdperk uit de opkomst van triadisch harmonie en de verspreiding van de ' Contapy Angloise 'stijl van Groot -Brittannië tot de Bourgondische school. Een handig stroomgebied voor het einde is de goedkeuring van basso continuo aan het begin van de Barok periode.

De periode kan ruwweg worden onderverdeeld, met een vroege periode die overeenkomt met de carrière van Guillaume du Fay (c. 1397–1474) en de teelt van Cantilena -stijl, een midden gedomineerd door Franco-Flemish School en de vierdelige texturen begunstigd door Johannes Ockeghem (1410's of 20's - 1497) en Josquin des prez (eind 1450 - 1521), en culminerend tijdens de Tegenstelling in de bloemen contrapunt van Palestrina (c. 1525 - 1594) en de Romeinse school.

Muziek werd in toenemende mate bevrijd van middeleeuwse beperkingen en er was meer variatie toegestaan ​​in bereik, ritme, harmonie, vorm en notatie. Aan de andere kant, regels van contrapunt werd meer beperkt, vooral met betrekking tot de behandeling van dissonanties. In de Renaissance werd muziek een voertuig voor persoonlijke expressie. Componisten vonden manieren om vocale muziek meer expressiever te maken van de teksten die ze instelden. Seculiere muziek geabsorbeerde technieken van heilige muziek, en vice versa. Populaire seculiere vormen zoals de Chanson en madrigaal verspreid over Europa. Rechtbanken gebruikten virtuoze artiesten, zowel zangers als instrumentalisten. Muziek werd ook zelfvoorzienend met zijn beschikbaarheid in gedrukte vorm, bestaande voor zichzelf.

Voorloperversies van veel bekende moderne instrumenten (inclusief de viool, gitaar, luit en toetsenbordinstrumenten) ontwikkeld tot nieuwe vormen tijdens de Renaissance. Deze instrumenten werden aangepast om te reageren op de evolutie van muzikale ideeën, en ze presenteerden nieuwe mogelijkheden voor componisten en muzikanten om te verkennen. Vroege vormen van moderne houtblazers en koperen instrumenten zoals de fagot en trombone verscheen ook, waardoor het bereik van de sonische kleuren werd uitgebreid en het geluid van instrumentale ensembles vergroot. In de 15e eeuw, het geluid van vol triaden werd gebruikelijk en tegen het einde van de 16e eeuw het systeem van Kerkmodi begon volledig af te breken en maakte plaats voor functionele tonaliteit (Het systeem waarin nummers en stukken zijn gebaseerd op muzikale "Keys"), dat de westerse kunstmuziek voor de komende drie eeuwen zou domineren.

Uit het Renaissance -tijdperk overleeft seculiere en heilige muziek in kwantiteit, waaronder vocale en instrumentale werken en gemengde vocale/instrumentale werken. Een breed scala aan muzikale stijlen en genres bloeide tijdens de Renaissance, waaronder massa's, motetten, madrigals, chansons, begeleidende liedjes, instrumentale dansen en vele anderen. Beginnend in de late 20e eeuw, talrijk Vroege muziek ensembles werden gevormd. Ensembles gespecialiseerd in muziek van het Renaissance -tijdperk geven concertreizen en maken opnames, met behulp van moderne reproducties van historische instrumenten en het gebruik van zang- en uitvoeringsstijlen die muziekologen Geloof werden tijdens het tijdperk gebruikt.

Overzicht

Een van de meest uitgesproken kenmerken van vroege Renaissance Europese kunstmuziek was de toenemende afhankelijkheid van de interval van de derde en zijn inversie, de zesde (in de Middeleeuwen, derden en zesde werden beschouwd als dissonanties, en alleen perfecte intervallen werden als medeklinker behandeld: de Perfect vierde de Perfect vijfde, de octaaf, en de unison). Polyfonie- Het gebruik van meerdere, onafhankelijke melodische lijnen, tegelijkertijd uitgevoerd - werd steeds meer uitgebreid in de 14e eeuw, met zeer onafhankelijke stemmen (zowel in vocale muziek als in instrumentale muziek). Het begin van de 15e eeuw vertoonde vereenvoudiging, waarbij de componisten vaak streven naar gladheid in de melodische delen. Dit was mogelijk vanwege een sterk verhoogd vocaal bereik in muziek - in de middeleeuwen maakte het smalle bereik de noodzakelijke frequente kruising van onderdelen, waardoor een groter contrast tussen hen nodig was om de verschillende delen te onderscheiden. De modaal (in tegenstelling tot tonaal, ook bekend als "Musical Key", een benadering die is ontwikkeld in de daaropvolgende Barokke muziek ERA, c. 1600–1750) Kenmerken van Renaissance -muziek begonnen af ​​te breken tegen het einde van de periode met het toegenomen gebruik van wortelbewegingen van vijfde of vierde (zie de "Circle of Fifths"Voor details). Een voorbeeld van een akkoordprogressie waarin de akkoordwortels door het interval van een vierde bewegen, zou de akkoordprogressie zijn, in de sleutel van C Major:" D Minor/G Major/C Major "(dit zijn allemaal TRIADEN; drie noten akkoorden). De beweging van het D Minor akkoord naar het G Major akkoord is een interval van een perfecte vierde. De beweging van het G Major akkoord naar het C Major Cor is ook een interval van een perfecte vierde. Later ontwikkeld tot een van de bepalende kenmerken van tonaliteit tijdens het barokke tijdperk.

De belangrijkste kenmerken van Renaissance -muziek zijn.:^[1]

• Muziek gebaseerd op modi.
• Rijkere textuur, met vier of meer onafhankelijke melodische onderdelen die tegelijkertijd worden uitgevoerd. Deze verwevende melodische lijnen, een stijl genoemd polyfonie, is een van de bepalende kenmerken van renaissancemuziek.
• Blending, in plaats van contrasterende, melodische lijnen in de muzikale textuur.
• Harmonie die zich een grotere bezorgdheid maakte over de soepele stroom van de muziek en zijn progressie van akkoorden.

De ontwikkeling van polyfonie produceerde de opmerkelijke veranderingen in muziekinstrumenten die de renaissance markeren vanuit de middeleeuwen muzikaal. Het gebruik ervan stimuleerde het gebruik van grotere ensembles en eiste sets instrumenten die over het hele vocale bereik zouden opgaan.^[2]

Achtergrond

Net als in de andere kunst, werd de muziek van die periode aanzienlijk beïnvloed door de ontwikkelingen die de Vroegmodern Periode: de opkomst van humanistisch gedachte; het herstel van het literaire en artistieke erfgoed van Het oude Griekenland en Het Oude Rome; verhoogde innovatie en ontdekking; de groei van commerciële ondernemingen; de opkomst van een burgerlijk klas; en de protestante Reformatie. Uit deze veranderende samenleving kwam een ​​gemeenschappelijke, verenigende muzikale taal, met name, de polyfoon stijl van de Franco-Flemish School.

De uitvinding van de drukpers In 1439 maakte het goedkoper en gemakkelijker om muziek- en muziektheorieteksten op een bredere geografische schaal en meer mensen te verspreiden. Voorafgaand aan de uitvinding van afdrukken moesten schriftelijke muziek- en muziektheorie-teksten met de hand worden gekoppeld, een tijdrovend en duur proces. De vraag naar muziek als entertainment en als een vrijetijdsactiviteit voor opgeleide amateurs nam toe met de opkomst van een burgerlijke klasse. Verspreiding van chansons, motetten, en massa In heel Europa viel samen met de eenwording van polyfone praktijk in de vloeistofstijl die culmineerde in de tweede helft van de zestiende eeuw in het werk van componisten zoals zoals Giovanni pierluigi da palestrina, Orlande de Lassus, Thomas Tallis, William Byrd en Tomás Luis de Victoria. Relatieve politieke stabiliteit en welvaart in de Lage Landen, samen met een bloeiend systeem van muziekopleiding In de vele kerken en kathedralen van het gebied lieten de training van grote aantallen zangers, instrumentalisten en componisten toe. Deze muzikanten waren zeer gezocht in heel Europa, met name in Italië, waar kerken en aristocratische rechtbanken hen inhuurden als componisten, artiesten en leraren. Omdat de drukpers het gemakkelijker maakte om gedrukte muziek te verspreiden, had Italië tegen het einde van de 16e eeuw de noordelijke muzikale invloeden geabsorbeerd met Venetië, Rome en andere steden worden centra voor muzikale activiteiten. Dit heeft de situatie van honderd jaar eerder omgekeerd. Opera, een dramatisch geënsceneerd genre waarin zangers worden vergezeld door instrumenten, ontstonden op dit moment in Florence. Opera werd ontwikkeld als een opzettelijke poging om de muziek van het oude Griekenland te doen herleven.^[3]

Genres

Hoofdliturgische (kerkgebaseerde) muzikale vormen, die gedurende de hele Renaissance-periode in gebruik bleven, waren massa en motetten, met enkele andere ontwikkelingen tegen het einde van het tijdperk, vooral als componisten van heilige muziek begon te adopteren seculier (niet-religieuze) muzikale vormen (zoals de madrigaal) voor religieus gebruik. De 15e en 16e -eeuwse massa's hadden twee soorten bronnen die werden gebruikt: monofoon (een enkele melodielijn) en polyfoon (Meerdere, onafhankelijke melodische lijnen), met twee hoofdvormen van uitwerking, gebaseerd op Cantus firmus Oefen of, beginnend een tijd rond 1500, de nieuwe stijl van "doordringende imitatie", waarin componisten muziek zouden schrijven waarin de verschillende stemmen of onderdelen de melodische en/of ritmische motieven zouden imiteren die worden uitgevoerd door andere stemmen of onderdelen. Verschillende hoofdtypen massa's werden gebruikt:

• Cyclische massa (Tenor Mass)
• Parafrasis
• Imitatie massa

Massa's werden normaal getiteld door de bron van waaruit ze leenden. Cantus firmus Massa gebruikt dezelfde monofonische melodie, meestal afkomstig van gezang en meestal in de tenor en meestal in langere nootwaarden dan de andere stemmen.^[4] Andere heilige genres waren de Madrigale spirituele en de laude.

Tijdens de periode had seculiere (niet-religieuze) muziek een toenemende verdeling, met een breed scala aan vormen, maar men moet voorzichtig zijn met het aannemen van een explosie in variëteit: omdat afdrukken muziek breder beschikbaar heeft gemaakt, heeft veel meer overleefd uit deze tijd dan uit het voorgaande middeleeuwse tijdperk, en waarschijnlijk is een rijke winkel met populaire muziek van de late middeleeuwen verloren. Seculiere muziek was muziek die onafhankelijk was van kerken. De hoofdtypen waren de Duits Gelogen, Italiaans frottola, de Fransen chanson, de Italiaan madrigaal, en de Spaans Villancico.^[1] Andere seculiere vocale genres waren de kaccia, rondeau, virelai, berneur, ballade, Musique Mesurée, Canzonetta, Villanella, Villotta, en de Luit Song. Gemengde vormen zoals de Motet-chanson en het seculiere motet verscheen ook.

Puur instrumentale muziek inbegrepen monteren muziek voor Recorders of viool en andere instrumenten en dansen voor verschillende ensembles. Gemeenschappelijke instrumentale genres waren de toccata, inleiding, ricercar, en Canzona. Dansen gespeeld door instrumentale ensembles (of soms gezongen) omvatten de Basse Danse (Het. Bassadanza), tourdion, saltarello, pavaan, Galliard, allemande, courante, bransle, Canarie, piva, en lavolta. Muziek van veel genres zou kunnen worden geregeld voor een solo -instrument zoals de luit, Vihuela, Harp of toetsenbord. Dergelijke regelingen werden genoemd intabulaties (Het. Intavolatura, Ger. Intabulierung).

Tegen het einde van de periode, de vroege dramatische voorlopers van opera zoals monodie, de Madrigal Comedy, en de intermedio worden gehoord.

Theorie en notatie

Ockeghem, Kyrie "Au Travail Suis," fragment, met witte herenurale notatie.

Volgens Margaret gebogen: "Renaissance notatie is onder prescriptief volgens onze [moderne] normen; Wanneer het wordt vertaald in moderne vorm, krijgt het een voorgeschreven gewicht dat zijn oorspronkelijke openheid overspecificeert en vervormt ".^[5] Renaissance -composities werden alleen in individuele delen genoteerd; scores waren uiterst zeldzaam, en barlijnen werden niet gebruikt. Noteer waarden waren over het algemeen groter dan tegenwoordig in gebruik; de primaire eenheid van verslaan was de hele noot, of Hele notitie. Zoals het geval was sinds de Ars nova (zien Middeleeuwse muziek), er kunnen voor elk twee of drie hiervan zijn breve (een dubbele noot), die kan worden beschouwd als gelijkwaardig aan de moderne "maatregel", hoewel het zelf een nootwaarde was en een maatregel dat niet is. De situatie kan op deze manier worden beschouwd: het is hetzelfde als de regel waarmee in moderne muziek een kwartnoot gelijk kan zijn aan twee achtste noten of drie, die als een "triplet" zou worden geschreven. Door dezelfde afrekening zou er twee of drie van de volgende kleinste noot kunnen zijn, het "minimaal" (gelijkwaardig aan de moderne "halve noot") voor elke semibroepen.

Deze verschillende permutaties werden "perfecte/imperfecte tempus" genoemd op het niveau van de BREVE -Semibreve -relatie, "perfecte/imperfecte prolatie" op het niveau van de semibrede - mijne, en bestonden in alle mogelijke combinaties met elkaar. Drie-op-één heette "perfect" en twee-op-één "onvolmaakt". Er bestonden ook regels waarbij afzonderlijke noten konden worden gehalveerd of verdubbeld in waarde ("imperfected" of "gewijzigd", respectievelijk) indien voorafgegaan of gevolgd door andere bepaalde notities. Opmerkingen met zwarte nootkoppen (zoals kwartnoten) viel minder vaak voor. Deze ontwikkeling van Witte meningsnotatie kan het gevolg zijn van het toegenomen gebruik van papier (in plaats van velijn), omdat het zwakkere papier minder in staat was om het krassen te weerstaan ​​dat nodig was om solide nootkoppen in te vullen; Notatie van vorige tijden, geschreven op Vellum, was zwart geweest. Andere kleuren, en later, ingevulde noten, werden ook routinematig gebruikt, voornamelijk om de bovengenoemde onvolkomenheden of wijzigingen af ​​te dwingen en om andere tijdelijke ritmische veranderingen te vragen.

Accidentals (bijv. Toegevoegde scherpte, flats en naturals die de noten veranderen) werden niet altijd gespecificeerd, enigszins zoals in bepaalde vingersnotaties voor gitaar-family-instrumenten (tablaturen) vandaag. Renaissance -muzikanten zouden echter hoog zijn opgeleid in dyadisch contrapunt en bezat dus deze en andere informatie die nodig was om een ​​score correct te lezen, zelfs als de toevallige toevallige niet is geschreven. Als zodanig, "wat moderne notatie vereist [toevallige] zou dan volkomen duidelijk zijn geweest zonder notatie voor een zanger in contrapunt." (Zien Musica Ficta.) Een zanger zou zijn of haar deel interpreteren door cadentiële formules te vinden met andere delen in gedachten, en bij het zingen zouden muzikanten parallelle octaven en parallelle vijfden vermijden of hun cadentiële delen veranderen in het licht van beslissingen door andere muzikanten.^[5] Het is door hedendaagse tabellen voor verschillende geplukte instrumenten dat we veel informatie hebben gekregen over welke toevallige accidenties door de oorspronkelijke beoefenaars zijn uitgevoerd.

Zie voor informatie over specifieke theoretici Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni artusi, Johannes Nucius, en Pietro -cerone.

Componisten - Tijdlijn

Vroege periode (1400-1470)

De belangrijkste componisten uit het Early Renaissance -tijdperk schreven ook in een late middeleeuwse stijl, en als zodanig zijn het overgangsfiguren. Leonel Power (c. 1370s of 1380s - 1445) was een Engelse componist van de late middeleeuws en vroege Renaissance Music -tijdperken. Samen met John Dunstaple, hij was een van de belangrijkste figuren in Engelse muziek in de vroege 15e eeuw.^[6][7]) Kracht is de componist die het best wordt weergegeven in de Oude Hall Manuscript, Een van de weinige onbeschadigde bronnen van Engelse muziek uit de vroege 15e eeuw. Power was een van de eerste componisten die afzonderlijke bewegingen van de gewone van de massa die thematisch verenigd waren en bedoeld waren voor aangrenzende prestaties. Het oude Hall -manuscript bevat zijn massa gebaseerd op de Marian Antiphon, Alma redemptoris mater, waarin de antiphon letterlijk wordt vermeld in de tenorstem in elke beweging, zonder melodische ornamenten. Dit is de enige cyclische instelling van de massa gewone die aan hem kan worden toegeschreven.^[8] Hij schreef massacycli, fragmenten en enkele bewegingen en een verscheidenheid aan andere heilige werken.

John Dunstaple (of dunstable) (c. 1390–1453) was een Engelse componist van polyfoon Muziek van de laatste tijd middeleeuws ERA en vroege renaissanceperioden. Hij was een van de beroemdste componisten die in het begin van de 15e eeuw actief waren, een bijna-eisarne van macht, en was alom invloedrijk, niet alleen in Engeland, maar op het continent, vooral in de ontwikkelingsstijl van de Bourgondische school. De invloed van Dunstaple op de muzikale vocabulaire van het continent was enorm, met name gezien de relatieve schaarste van zijn (toe te schrijven) werken. Hij werd erkend omdat hij iets had dat nog nooit eerder is gehoord in muziek van de Bourgondische school: LA CONTANPY ANGLOISE ("The English Counter"), een term die door de dichter wordt gebruikt Martin Le Franc in zijn Le Champion Des Dames. Le Franc voegde eraan toe dat de stijl beïnvloedde Darmay en Binchois. Een paar decennia later in ongeveer 1476 schrijven, de Vlaamse componist en muziektheoreticus Tinctoris bevestigde opnieuw de krachtige invloed die Dunstaple had en benadrukte de "nieuwe kunst" die Dunstaple had geïnspireerd. Tinctoris begroette dunstaple als de fons et origo van de stijl, zijn "wellspring en oorsprong".^{[Citaat citaat nodig]}

De Contapy Angloise, Hoewel niet gedefinieerd door Martin Le Franc, was hij waarschijnlijk een verwijzing naar Dunstaple's stilistische eigenschap van het gebruik van volledige triadische harmonie (drie noot akkoorden), samen met een voorliefde voor de interval van de derde. Ervan uitgaande dat hij op het continent was geweest bij de hertog van Bedford, zou Dunstaple in het Frans zijn geïntroduceerd fauxbourdon; Hij leende enkele van de sonoriteiten en creëerde elegante harmonieën in zijn eigen muziek met behulp van derden en zesde (een voorbeeld van een derde interval is de noten C en E; een voorbeeld van een zesde interval is de noten C en A). Al met al worden deze gezien als het bepalen van kenmerken van vroege renaissancemuziek. Veel van deze eigenschappen zijn mogelijk in Engeland ontstaan ​​en schieten in de Bourgondische school rond het midden van de eeuw.

Omdat talloze exemplaren van de werken van Dunstaple zijn gevonden in Italiaanse en Duitse manuscripten, moet zijn roem in heel Europa wijdverbreid zijn geweest. Van de werken die aan hem worden toegeschreven, overleven slechts ongeveer vijftig, waaronder twee complete massa's, drie verbonden massasecties, veertien individuele massasecties, twaalf complete isoritmische motetten en zeven instellingen van Marian Antiphons, zoals Alma redemptoris mater en Salf Regina, Mater Misericordiae. Dunstaple was een van de eersten die massa's samenstellen met behulp van een enkele melodie als Cantus firmus. Een goed voorbeeld van deze techniek is de zijne Missa Rex Seculorum. Er wordt aangenomen dat hij seculiere (niet-religieuze) muziek heeft geschreven, maar er kunnen geen nummers in de volkstaal met enige zekerheid aan hem worden toegeschreven.

Oswald von Wolkenstein (c. 1376–1445) is een van de belangrijkste componisten van de vroege Duitse renaissance. Hij is vooral bekend om zijn goed geschreven melodieën, en voor zijn gebruik van drie thema's: reizen, God en seks.^[9]

Gilles Binchois (ca. 1400–1460) was een Nederlandse componist, een van de vroegste leden van de Bourgondische school en een van de drie beroemdste componisten van de vroege 15e eeuw. Hoewel vaak achter zijn tijdgenoten gerangschikt Guillaume Dufay en John Dunstaple door hedendaagse geleerden, zijn werken werden nog steeds aangehaald, geleend en gebruikt als bronmateriaal na zijn dood. Binchois wordt overwogen^{[door wie?]} Om een ​​fijne melodist te zijn, het schrijven van zorgvuldig gevormde lijnen die gemakkelijk te zingen en memorabel zijn. Zijn deuntjes verschenen tientallen jaren na zijn dood in kopieën en werden vaak gebruikt als bronnen voor massa- Samenstelling door latere componisten. Het grootste deel van zijn muziek, zelfs zijn heilige muziek, is eenvoudig en duidelijk in schets, soms zelfs ascetisch (monnikachtig). Een groter contrast tussen binchois en de extreme complexiteit van de ARS -subtilior van de eerdere (veertiende) eeuw zou moeilijk voor te stellen zijn. De meeste van zijn seculiere nummers zijn rondeaux, die de meest voorkomende liedvorm werd in de eeuw. Hij schreef zelden binnen strofische vorm, en zijn melodieën zijn over het algemeen onafhankelijk van het rijmschema van de verzen waar ze op zijn ingesteld. Binchois schreef muziek voor het hof, seculiere liedjes van liefde en ridderlijkheid die aan de verwachtingen voldeed en voldeed aan de smaak van de hertogen van Bordeaux die hem in dienst hadden en blijkbaar zijn muziek dienovereenkomstig hielden. Ongeveer de helft van zijn bestaande seculiere muziek is te vinden in de Oxford Bodleian Library.

Guillaume du Fay (c. 1397–1474) was een Franco-flemish Componist van de vroege Renaissance. De centrale figuur in de Bourgondische school, hij werd door zijn tijdgenoten beschouwd als de leidende componist in Europa in het midden van de 15e eeuw.^[10] Du Fay samengesteld in de meeste gemeenschappelijke vormen van de dag, inclusief massa, motetten, Magnificaten, hymnes, eenvoudige zanginstellingen in fauxbourdon, en antipon binnen het gebied van heilige muziek, en rondeaux, ballades, virelais en een paar andere Chanson -types binnen het rijk van seculiere muziek. Geen van zijn overlevende muziek is specifiek instrumenteel, hoewel instrumenten zeker werden gebruikt voor sommige van zijn seculiere muziek, vooral voor de onderste delen; Al zijn heilige muziek is vocaal. Instrumenten kunnen zijn gebruikt om de stemmen in werkelijke prestaties voor bijna elk van zijn werken te versterken. Zeven complete massa's, 28 individuele massabewegingen, 15 instellingen van gezang gebruikt in massa -propers, drie Magnificats, twee Benedicamus Domino -instellingen, 15 antiphon -instellingen (zes daarvan Marian Antiphons), 27 hymnes, 22 motetten (13 hiervan isorhythmisch in de meer hoekige, sobere 14e-eeuwse stijl die plaats maakte voor meer melodische, door sensuele treble-gedomineerde gedeelte met zinnen die eindigen in de "onder de derde" cadans in de jeugd van Du Fay) en 87 chansons hebben absoluut door hem overleefd.

Deel van Du Fay's instelling van Ave Maris Stella, in Fauxbourdon. De bovenste regel is een parafrase van het gezang; De middelste lijn, aangewezen "fauxbourdon", (niet geschreven) volgt de bovenste regel, maar precies een perfecte vierde hieronder. De bottom line is vaak, maar niet altijd, een zesde onder de bovenste regel; Het is verfraaid en bereikt cadans op het octaaf.Toneelstuk (helpen·info)

Veel van de composities van Du Fay waren eenvoudige instellingen van gezang, duidelijk ontworpen voor liturgisch gebruik, waarschijnlijk als vervangers voor het onopgesmukte gezang, en kunnen worden gezien als chant -harmonisaties. Vaak gebruikte de harmonisatie een techniek van parallel schrijven dat bekend staat als fauxbourdon, zoals in het volgende voorbeeld, een setting van de Marian Antiphon Ave Maris Stella. Du Fay is misschien de eerste componist die de term "fauxbourdon" gebruikte voor deze eenvoudiger compositorische stijl, prominent in de 15e-eeuwse liturgische muziek in het algemeen en die van de Bourgondische school in het bijzonder. De meeste seculiere (niet-religieuze) nummers van Du Fay volgen de Vormen fixes (rondeau, Ballade en Virelai), die seculiere Europese muziek van de 14e en 15e eeuw domineerden. Hij schreef ook een handvol Italiaans ballate, vrijwel zeker terwijl hij in Italië was. Zoals het geval is met zijn motetten, zijn veel van de nummers voor specifieke gelegenheden geschreven, en velen zijn datable, waardoor nuttige biografische informatie wordt verstrekt. De meeste van zijn nummers zijn voor drie stemmen, met behulp van een textuur gedomineerd door de hoogste stem; De andere twee stemmen, niet bestemd met tekst, werden waarschijnlijk gespeeld door instrumenten.

Du Fay was een van de laatste componisten die gebruik maakten van late-middeleeuwse polyfone structurele technieken zoals zoals Isorhythm,^[11] en een van de eersten die de meer melliflueuze harmonieën, frasering en melodieën gebruiken die kenmerkend zijn voor de vroege renaissance.^[12] Zijn composities binnen de grotere genres (massa's, motetten en chansons) zijn meestal vergelijkbaar met elkaar; Zijn bekendheid is grotendeels te wijten aan wat werd gezien als zijn perfecte controle over de vormen waarin hij werkte, evenals zijn geschenk voor memorabele en zangbare melodie. In de 15e eeuw werd hij universeel beschouwd als de grootste componist van zijn tijd, een mening die tot op de dag van vandaag grotendeels heeft overleefd.

Middelste periode (1470–1530)

1611 houtsnede van Josquin des Prez, gekopieerd van een nu verloren olieverfschilderij tijdens zijn leven

In de 16e eeuw, Josquin des prez (c.1450/1455- 27 augustus 1521) heeft geleidelijk de reputatie verworven als de grootste componist van die tijd, zijn beheersing van techniek en uitdrukking universeel geïmiteerde en bewonderd. Schrijvers zo divers als Baldassare Castiglione en Martin Luther schreef over zijn reputatie en roem.

Late periode (1530–1600)

San Marco 's avonds. Het ruime, resonerende interieur was een van de inspiraties voor de muziek van de Venetiaanse school.

In Venetië, van ongeveer 1530 tot ongeveer 1600, ontwikkelde zich een indrukwekkende polychorale stijl, die Europa tot die tijd enkele van de grootste, meest sonore muziek gaf, met meerdere koren van zangers, messing en snaren op verschillende ruimtelijke locaties in de basiliek in de basiliek in de basiliek in de basiliek San Marco di Venezia (zien Venetiaanse school). Deze meerdere revoluties verspreidden zich in de komende decennia over Europa, beginnend in Duitsland en verhuisden vervolgens naar Spanje, Frankrijk en Engeland enigszins later, waardoor het begin wordt afgebakend van wat we nu kennen als de Barok muzikaal tijdperk.

De Romeinse school was een groep componisten van overwegend kerkmuziek in Rome, over de late renaissance en vroege barokke tijdperken. Veel van de componisten hadden een directe band met het Vaticaan en de pauselijke kapel, hoewel ze bij verschillende kerken werkten; Stilistisch worden ze vaak in contrast met de Venetiaanse school van componisten, een gelijktijdige beweging die veel progressiever was. Veruit de beroemdste componist van de Romeinse school is Giovanni Pierluigi da Palestrina. Hoewel het best bekend staat als een productieve componist van massa's en motetten, was hij ook een belangrijke madrigalist. Zijn vermogen om de functionele behoeften van de katholieke kerk samen te brengen met de heersende muzikale stijlen tijdens de Tegenstelling Periode gaf hem zijn blijvende bekendheid.^[13]

De korte maar intense bloei van de musical Madrigal in Engeland, meestal van 1588 tot 1627, samen met de componisten die ze produceerden, staat bekend als de Engelse madrigale school. De Engelse Madrigals waren een capella, overwegend licht in stijl, en begonnen over het algemeen als kopieën of directe vertalingen van Italiaanse modellen. De meeste waren voor drie tot zes stemmen.

Musica Reservata is een stijl of een prestatiepraktijk in een capella vocale muziek van de tweede helft van de 16e eeuw, voornamelijk in Italië en Zuid -Duitsland, met verfijning, exclusiviteit en intense emotionele uitdrukking van gezongen tekst.

De teelt van Europese muziek in Amerika begon in de 16e eeuw kort na de komst van de Spanjaarden en de verovering van Mexico. Hoewel het in Europese stijl is gevormd, verschenen uniek Mexicaanse hybride werken op basis van inheemse Mexicaanse taal en Europese muzikale praktijk heel vroeg. Muzikale praktijken in New Spanje vielen voortdurend samen met Europese neigingen gedurende de daaropvolgende barokke en klassieke muziekperioden. Onder deze nieuwe wereldcomponisten waren Hernando Franco, Antonio de Salazar, en Manuel de Zumaya.

Bovendien hebben schrijvers sinds 1932 waargenomen wat ze noemen Seconda Prattica (Een innovatieve praktijk met monodische stijl en vrijheid bij de behandeling van dissonantie, beide gerechtvaardigd door de expressieve setting van teksten) in de late 16e en vroege 17e eeuw.^[14]

Maniërisme

In de late 16e eeuw, toen het Renaissance -tijdperk sloot, een extreem mannelijk stijl ontwikkeld. In seculiere muziek, vooral in de madrigaal, er was een trend in de richting van complexiteit en zelfs extreem chromaticisme (zoals geïllustreerd in Madrigals van Luzzaschi, Marenzio, en Gesualdo). De voorwaarde maniërisme is afgeleid van kunstgeschiedenis.

Overgang naar de barok

Beginnend in Florence, er was een poging om de dramatische en muzikale vormen van het oude Griekenland nieuw leven in te blazen monodie, een vorm van aangekondigde muziek over een eenvoudige begeleiding; Een extremer contrast met de voorgaande polyfone stijl zou moeilijk te vinden zijn; Dit was ook, althans in het begin, een seculiere trend. Deze muzikanten stonden bekend als de Florentijnse camerata.

We hebben al enkele van de muzikale ontwikkelingen opgemerkt die hebben geholpen om de Barok, maar zie voor verdere uitleg over deze overgang antiphon, concerto, monodie, madrigaalen opera, evenals de werken die worden gegeven onder 'bronnen en verder lezen'.

Instrumenten

Veel instrumenten zijn ontstaan ​​tijdens de Renaissance; Anderen waren variaties van of verbeteringen op instrumenten die eerder hadden bestaan. Sommigen hebben tot op de dag van vandaag overleefd; Anderen zijn verdwenen, alleen om opnieuw te worden gemaakt om muziek uit de periode op authentieke instrumenten uit te voeren. Net als in de moderne tijd kunnen instrumenten worden geclassificeerd als messing, strings, percussie en houtblazers.

Middeleeuwse instrumenten in Europa waren meestal afzonderlijk gebruikt, vaak zichzelf met een drone, of af en toe in delen. Vanaf de 13e eeuw tot de 15e eeuw was er een verdeling van instrumenten in hut (luide, schrille, buiteninstrumenten) en bas (stillere, meer intieme instrumenten).^[15] Slechts twee groepen instrumenten konden vrij spelen in beide soorten ensembles: de Cornett en Sackbut, en de Tabor en Tambourine.^[4]

Aan het begin van de 16e eeuw werden instrumenten als minder belangrijk beschouwd dan stemmen. Ze werden gebruikt voor dansen en om vocale muziek te begeleiden.^[1] Instrumentale muziek bleef ondergeschikt aan vocale muziek, en een groot deel van zijn repertoire was op verschillende manieren afgeleid van of afhankelijk van vocale modellen.^[3]

Organen

Verschillende soorten organen werden vaak gebruikt in de renaissance, van grote kerkorganen te klein portatieven en rietorganen geroepen Regals.

Messing

Messing instrumenten in de Renaissance werden traditioneel gespeeld door professionals. Enkele van de meest voorkomende koperen instrumenten die werden gespeeld:

• Schuif trompet: Vergelijkbaar met de trombone van vandaag, behalve dat in plaats van een deel van het lichaam glijdt, slechts een klein deel van het lichaam nabij het mondstuk en het mondstuk zelf stationair is. Ook was het lichaam een ​​S-vorm, dus het was nogal log, maar was geschikt voor de langzame dansmuziek waarvoor het meestal werd gebruikt.
• Cornett: Gemaakt van hout en gespeeld als de recorder (door in het ene uiteinde te blazen en de vingers op en neer te bewegen) maar met behulp van een kopje mondstuk als een trompet.
• Trompet: vroege trompetten hadden geen kleppen en waren beperkt tot de tonen die aanwezig waren in de boventoon serie. Ze werden ook in verschillende maten gemaakt.
• Zakelijk (soms SackButt of Sagbutt): een andere naam voor de trombone,^[16] die de dia -trompet in het midden van de 15e eeuw verving.^[17]

Strijkers

Modern Franse Hurdy-Gurdy

Als gezin werden snaren in veel omstandigheden gebruikt, zowel heilig als seculier. Een paar leden van deze familie zijn onder meer:

• Viool: Dit instrument, ontwikkeld in de 15e eeuw, heeft meestal zes snaren. Het werd meestal met een boog gespeeld. Het heeft structurele kwaliteiten vergelijkbaar met de Spanjaarden geplukt Vihuela (genaamd Viola da mano in Italië); De belangrijkste scheidende eigenschap is het grotere formaat. Dit veranderde de houding van de muzikant om het tegen de vloer of tussen de benen te laten rusten op een manier vergelijkbaar met de cello. De overeenkomsten met de Vihuela waren scherpe taille-sneden, vergelijkbare frets, een platte rug, dunne ribben en identieke afstemming. Wanneer het op deze manier werd gespeeld, werd het soms "Viola Da Gamba" genoemd, om het te onderscheiden van viools gespeeld "op de arm": Viole da Braccio, die evolueerde naar de vioolfamilie.
• Lier: De constructie is vergelijkbaar met een kleine harp, hoewel het in plaats van te worden geplukt, wordt gestommeld met een plectrum. De snaren varieerden in kwantiteit van vier, zeven en tien, afhankelijk van het tijdperk. Het werd gespeeld met de rechterhand, terwijl de linkerhand de noten tot zwijgen bracht die niet gewenst waren. Nieuwere lieren werden aangepast om met een boog te worden gespeeld.
• Ierse harp: Ook de Clàrsach genoemd in het Schotse Gaelic, of de Cláirseach in het Iers, tijdens de middeleeuwen was het het meest populaire instrument van Ierland en Schotland. Vanwege de betekenis ervan in de Ierse geschiedenis wordt het zelfs gezien op de Guinness Label en is het nationale symbool van Ierland zelfs tot op de dag van vandaag. Om te worden gespeeld, wordt het meestal geplukt.^{[verduidelijking nodig]} De grootte kan sterk variëren van een harp die op schoot kan worden gespeeld tot een full-size harp die op de vloer wordt geplaatst
• Sierlijk: (Ook bekend als de Wheel Fiddle), waarin de snaren worden gestaan ​​door een wiel waarover de snaren passeren. De functionaliteit ervan kan worden vergeleken met die van een mechanische viool, in die zin dat zijn boog (wiel) wordt gedraaid door een crank. Het onderscheidende geluid is voornamelijk vanwege zijn "drone -snaren" die een constante toonhoogte bieden die in hun geluid vergelijkbaar is met dat van doedelzak.
• Gitern en mandore: Deze instrumenten werden in heel Europa gebruikt. Voorlopers van moderne instrumenten, waaronder de mandoline en gitaar.
• LIRA DA BRACCIO
• Bandora
• Cittern
• Luit
• Wees
• Vihuela
• Clavichord
• Klavecimbel
• Maagdelijk

Percussie

Sommige renaissance percussie -instrumenten omvatten de driehoek, de harp van de Jood, de tamboerijn, de klokken, bekkens, de rumble-pot en verschillende soorten drums.

• Tamboerijn: De tamboerijn is een framedrum. De huid die het frame omringt, wordt het vellum genoemd en produceert de beat door het oppervlak te slaan met de knokkels, vingertoppen of hand. Het kan ook worden gespeeld door het instrument te schudden, waardoor de jingles of pelletbellen van de tamboerijn (als het dat wel heeft) en "jingle" kunnen "klinken" en "jingle".
• Jood's harp: Een instrument dat geluid produceert met behulp van vormen van de mond en probeert verschillende klinkers uit te spreken met de mond. De lus aan het gebogen uiteinde van de tong van het instrument wordt in verschillende schalen van trillingen geplukt waardoor verschillende tonen ontstaan.

Houtblazers (aerofoons)

Houtbladen instrumenten (aerofoons) produceren geluid door middel van een trillende kolom lucht in de pijp. Gaten langs de pijp stellen de speler in staat om de lengte van de luchtkolom te regelen, en dus de toonhoogte. Er zijn verschillende manieren om de luchtkolom te laten trillen, en deze manieren definiëren de subcategorieën van houtblazersinstrumenten. Een speler kan over een mondgat blazen, zoals in een fluit; in een mondstuk met een enkel riet, zoals in een moderne klarinet of saxofoon; of een dubbel riet, zoals in een hobo of fagot. Alle drie deze methoden van toonproductie zijn te vinden in Renaissance -instrumenten.

• Shawm: Een typisch oosterse^{[verduidelijking nodig]} Shawm is sleutelloos en is ongeveer een voet lang met zeven vingergaten en een duimgat. De pijpen waren ook meestal gemaakt van hout en velen van hen hadden gravures en decoraties erop. Het was het meest populaire instrument met dubbele riet van de Renaissance -periode; Het werd vaak op straat gebruikt met trommels en trompetten vanwege zijn briljante, doordringende en vaak oorverdovende geluid. Om de Shawm te spelen, legt een persoon de hele riet in hun mond, blaast hun wangen uit en blaast in de pijp terwijl hij door hun neus ademt.

Renaissance -recorders

• Rietpijp^{[tegenstrijdig]}: Gemaakt van een enkele korte lengte riet met een mondstuk, vier of vijf vingergaten en het riet ervan. Het riet wordt gemaakt door een kleine tong uit te snijden, maar de basis te laten bevestigen. Het is de voorganger van de saxofoon en de klarinet.
• Hoornpijp: Hetzelfde als rietpijp maar met een bel aan het einde.
• Doedelzak/Blaaspipe: Geloofd door de gelovigen om te zijn uitgevonden door herders die dachten dat het gebruik van een tas gemaakt van schapen of geitenhuid luchtdruk zou bieden, zodat wanneer de speler ademhaalt, de speler alleen de tas eronder hoeft te knijpen om de toon voort te zetten. De mondpijp heeft een eenvoudig rond stuk leer dat op de tas uiteinde van de pijp is geschrapt en werkt als een niet-return klep. Het riet bevindt zich in het lange mondstuk, dat bekend zou zijn als een bocaal, als het van metaal was gemaakt en het riet aan de buitenkant was geweest in plaats van de binnenkant.
• Panfluit: Gebruikt een aantal houten buizen met een stop aan de ene kant en open aan de andere kant. Elke buis is een andere grootte (waardoor een andere toon wordt geproduceerd), waardoor het een reeks van een octaaf heeft. De speler kan dan zijn lippen tegen de gewenste buis plaatsen en eroverheen blazen.
• Dwarsfluit: De transversale fluit is vergelijkbaar met de moderne fluit met een mondgat nabij het gestopte uiteinde en vingergaten langs het lichaam. De speler blaast over het mondgat en houdt de fluit aan de rechter- of linkerkant.
• Recorder: De recorder was een gemeenschappelijk instrument tijdens de Renaissance -periode. In plaats van een riet, gebruikt het een fluitje mondstuk als de belangrijkste bron van geluidsproductie. Het wordt meestal gemaakt met zeven vingergaten en een duimgat.

Zie ook

• Geschiedenis van muziek
• Lijst van Renaissance -componisten
• Muziek van de Franse Renaissance
• Muziek in het Elizabethaanse tijdperk

Referenties

Bronnen

• Anon. "Seconda Prattica". Merriam-webster.com, 2017 (bezocht op 13 september 2017).
• Anon. "Wat is er met de naam?". Sackbut.com Website, n.d. (bezocht op 14 oktober 2014).
• Atlas, Allan W. Renaissancemuziek. New York: W.W. Norton, 1998. ISBN0-393-97169-4
• Baines, Anthony, ed. Muziekinstrumenten door de eeuwen heen. New York: Walker and Company, 1975.
• Gebogen, Margaret. "De grammatica van vroege muziek: voorwaarden voor analyse". In Tonale structuren van vroege muziek, [tweede editie], uitgegeven door Cristle Collins Judd.^{[pagina nodig]} Kritiek en analyse van vroege muziek 1. New York en Londen: Garland, 2000. ISBN978-0-8153-3638-9, 978-0815323884 opnieuw uitgegeven als eBook 2014. ISBN978-1-135-70462-9
• Gebogen, Margaret. "Power, Leonel". Grove Music Online, bewerkt door Deane Root. S.L.: Oxford Music Online, n.d. (bezocht op 23 juni 2015).
• Bessaraboff, Nicholas. Oude Europese muziekinstrumenten, eerste editie. Cambridge, MA: Harvard University Press, 1941.
• Besseler, Heinrich. 1950. "Die entstehung der Posaune". Acta Musicologica, 22, fasc. 1–2 (januari - juni): 8–35.
• Bowles, Edmund A. 1954. "Haut and Bas: The Grouping of Musical Instruments in the Middle Ages". Musica Disciplina 8: 115–40.
• Brown, Howard M. Muziek in de Renaissance. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1976. ISBN0-13-608497-4
• J. Peter Burkholder. "Lenen." Grove Music Online. Oxford Music Online, n.d. Ontvangen op 30 september 2011.
• Classen, Albrecht. "De onrustbaarheid van seks gisteren en vandaag". In Seksualiteit in de middeleeuwen en vroegmoderne tijd, bewerkt door Albrecht Classen, 44–47. S.L.: Walter de Gruyter, 2008. ISBN978-3-11-020940-2
• Emmerson, Richard Kenneth en Sandra Clayton-Emmerson. Sleutelcijfers in middeleeuws Europa: een encyclopedie. [New York?]: Routledge, 2006. ISBN978-0-415-97385-4
• Fenlon, Iain, ed. (1989). The Renaissance: van de jaren 1470 tot het einde van de 16e eeuw. Man en muziek. Vol. 2. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-773417-7.
• Fuller, Richard. 2010. Renaissance Music (1450–1600). GCSE Music Notes, op rpfuller.com (14 januari, bezocht op 14 oktober 2014).
• Gleason, Harold en Becker, Warren. Muziek in de middeleeuwen en renaissance (Muziekliteratuur schetst serie I). Bloomington, in: Frangipani Press, 1986. ISBN0-89917-034-X
• Judd, Cristle Collins, ed. Tonale structuren van vroege muziek. New York: Garland Publishing, 1998. ISBN0-8153-2388-3
• Lockwood, Lewis, Noel O'Regan, en Jessie Ann Owens. "Palestrina, Giovanni Pierluigi DA." Grove Music Online. Oxford Music Online, n.d. Ontvangen op 30 september 2011.
• Montagu, Jeremy. "Renaissance -instrumenten". De Oxford Companion to Music, bewerkt door Alison Latham. Oxford Music Online. Ontvangen op 30 september 2011.
• Munrow, David. Opmerkingen voor de opname van Dufay: Misss "Se la Face Ay Pale". Early Music Consort of London. (1974)^{[Volledig citaat nodig]}
• Munrow, David. Instrumenten van de middeleeuwen en renaissance. Londen: Oxford University Press, 1976.
• Oed. "Renaissance". Oxford Engels woordenboek (Online ed.). Oxford Universiteit krant. (Abonnement of Deelnemende instelling lidmaatschap verplicht.)
• Ongaro, Giulio. Muziek van de Renaissance. Westport, Connecticut: Greenwood Press, 2003.
• Planchart, Alejandro Enrique (2001). "Du Fay [Dufay; Du Fayt], Guillaume". Grove Music Online. Oxford, Engeland: Oxford Universiteit krant. doen:10.1093/GMO/9781561592630.article.08268. ISBN 978-1-56159-263-0. (abonnement of UK openbare bibliotheeklidmaatschap verplicht)
• Pryer A. 1983. "Dufay". In De nieuwe Oxford Companion to Music, bewerkt door Arnold^{[Volledig citaat nodig]}.
• Reese, Gustave (1959). Muziek in de Renaissance (Herziene ed.). New York City: W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-09530-2.
• Stolba, Marie (1990). De ontwikkeling van westerse muziek: een geschiedenis. Dubuque: W.C. Bruin. ISBN 978-0-697-00182-5. Leonel Power (c. 1375–1445) was een van de twee toonaangevende componisten van Engelse muziek tussen 1410 en 1445. De andere was John Dunstaple.
• Strunk, Oliver. Bronwaarden in de muziekgeschiedenis. New York: W.W. Norton, 1950.
• Orpheon Foundation, Wenen, Oostenrijk

Externe links

• Pandora Radio: Renaissance -periode
• Oude FM (online radio met middeleeuwse en renaissancemuziek)
• Gids voor middeleeuwse en renaissance -instrumenten- Beschrijvingen, foto's en geluiden.
• "Hier van een zondagochtend"
• Renaissance -periode muziek Verzameling muziek uit 5 landen
• "The Renaissance Channel" - Video's van Renaissance Music
• "Voor en na internetradio" - Middeleeuwse, renaissance, moderne klassieke muziek
• Répertoire International des Sources Musicales (Rism), Een gratis, doorzoekbare database van wereldwijde locaties voor muziekmanuscripten tot c. 1800
• WQXR: Renaissance Notation Knives

Moderne uitvoering

• Stad van Lincoln Waites De burgemeester van Lincoln's eigen band van Musick
• Pantagruel- Een Renaissance Musicke -ensemble
• Stella Fortuna: Medieval Minstrels (1370) van ye compayye van Cheualrye reactment Society. Foto's en audio -download.
• De Waits -website- Renaissance Civic Bands of Europe
• Ensemble feria VI- Zes stemmen en een altviool da gamba