Middeleeuwse muziek

Troubadours vermaken een vorst

Middeleeuwse muziek omvat de heilig en seculiere muziek van West -Europa tijdens de Middeleeuwen,^[1] van ongeveer de 6e tot 15e eeuw. Het is de eerste en langste grote tijdperk van Westerse klassieke muziek en gevolgd door de Renaissancemuziek; De twee tijdperken omvatten wat muziekologen Over het algemeen als Vroege muziek, voorafgaand aan de veel voorkomende praktijkperiode. Na de traditionele divisie van de middeleeuwen, kan middeleeuwse muziek worden verdeeld in Vroeg (500–1150), Hoog (1000–1300), en Laat (1300-1400) middeleeuwse muziek.

Middeleeuwse muziek omvat liturgische muziek gebruikt voor de kerk, en seculiere muziek, niet-religieuze muziek; alleen vocale muziek, zoals Gregoriaanse zang en koormuziek (muziek voor een groep zangers), alleen instrumentale muzieken muziek die zowel stemmen als instrumenten gebruikt (meestal met de instrumenten begeleidend de stemmen). Gregoriaans gezang werd gezongen door monniken tijdens Katholieke massa. De massa is een re -enactment van Christus Laatste Avondmaal, bedoeld om een ​​spirituele verbinding te bieden tussen de mens en God. Een deel van dit verband werd tot stand gebracht via muziek.^[2]

Tijdens de middeleeuwse periode werd de stichting gelegd voor de muzieknotatie en muziek theorie praktijken die westerse muziek zouden vormen in de normen die zich ontwikkelden tijdens de gemeenschappelijke praktijkperiode van gedeelde muziekschrijfmethoden die de Barok ERA (1600–1750), Klassiek tijdperk (1750–1820) en romantisch tijdperk (1800–1910). De belangrijkste hiervan is de ontwikkeling van een uitgebreide Muzieknotationaal Systeem dat componisten in staat stelde om hun liedmelodieën en instrumentale stukken op perkament of papier op te schrijven. Voorafgaand aan de ontwikkeling van muzikale notatie, moesten liedjes en stukken "per oor" worden geleerd, van de ene persoon die een nummer naar een andere persoon kende. Dit beperkte enorm hoeveel mensen nieuwe muziek kunnen worden geleerd en hoe brede muziek zich zou kunnen verspreiden naar andere regio's of landen. De ontwikkeling van muzieknotatie maakte het gemakkelijker om liedjes en muziekstukken gemakkelijker te verspreiden (verspreiden) naar een groter aantal mensen en naar een breder geografisch gebied. Maar de theoretische vooruitgang, met name met betrekking tot ritme—De timing van aantekeningen - en polyfonie- Meerdere, verwevende verweven melodieën Tegelijkertijd zijn even belangrijk voor de ontwikkeling van westerse muziek.

Overzicht

Genres

Middeleeuwse muziek werd gecomponeerd en, voor wat vocale en instrumentale muziek, geïmproviseerd Voor veel verschillende muziek genres (muziekstijlen). Middeleeuwse muziek gemaakt voor heilig (kerkgebruik) en seculier (niet-religieus gebruik) werd meestal geschreven door componisten,^[3] Behalve enkele heilige vocale en seculiere instrumentale muziek die dat was geïmproviseerd (Opgemaakt ter plaatse). Tijdens de Eerdere middeleeuwse periode, de liturgisch genre, voornamelijk Gregoriaanse zang gedaan door monniken, was monofoon ("Monofonisch" betekent een enkele melodische lijn, zonder een harmonieonderdeel of instrumentele begeleiding).^[4] Polyfoon Genres, waarin meerdere onafhankelijke melodische lijnen tegelijkertijd worden uitgevoerd, begonnen zich te ontwikkelen tijdens de Hoog middeleeuws tijdperk, worden gangbaar in de latere 13e en vroege 14e eeuw. De ontwikkeling van polyfone vormen, met verschillende stemmen die verweven zijn, wordt vaak geassocieerd met de late middeleeuws Ars nova stijl die bloeide in de jaren 1300. De ARS Nova, wat "nieuwe kunst" betekent, was een innovatieve stijl van het schrijven van muziek die diende als een belangrijke overgang van de middeleeuwse muziekstijl naar de meer expressieve stijlen van de Renaissance Music-tijdperk na 1600.

De vroegste innovaties op monofonische vlakte waren heterofonisch. "Heterophony" is de uitvoering van dezelfde melodie door twee verschillende artiesten tegelijkertijd, waarin elke uitvoerder de ornamenten die ze gebruiken enigszins verandert. Een andere eenvoudige vorm van heterofonie is dat zangers dezelfde vorm van melodie zingen, maar met één persoon die de melodie zingt en een tweede persoon die de melodie zingt op een hogere of lagere toonhoogte. Organum, bijvoorbeeld, uitgebreid op gewone melodie met behulp van een bijbehorende lijn, gezongen op een vast interval (Vaak a Perfect vijfde of Perfect vierde Weg van de hoofdmelodie), met een resulterende afwisseling tussen een eenvoudige vorm van polyfonie en monofonie.^[5] De principes van organum dateren uit een anonieme 9e -eeuwse kanaal, de Musica Enchiriadeis, die de traditie vestigde van het dupliceren van een reeds bestaande vlakte in parallelle beweging met interval van een octaaf, een vijfde of een vierde.^[6]

Van grotere verfijning was de motet, die zich ontwikkelde van de clausula Genre van middeleeuws gedoe. Het motet zou de meest populaire vorm van middeleeuwse polyfonie worden.^[7] Terwijl vroege motetten liturgisch of heilig waren (ontworpen voor gebruik in een kerkdienst), was het genre aan het einde van de dertiende eeuw uitgebreid met seculiere onderwerpen, zoals zoals hoofse liefde. Courtly Love was de respectvolle verering van een dame van verre door een amoureuze, nobele man. Veel populaire motetten hadden teksten over de liefde en aanbidding van een man van prachtige, nobele en veel bewonderde vrouw.

Het middeleeuwse motet ontwikkelde zich tijdens de Renaissancemuziek ERA (na 1400). Tijdens de Renaissance, het Italiaanse seculiere genre van de Madrigaal werd populair. Net als het polyfone karakter van het motet, hadden Madrigals een grotere vloeibaarheid en beweging in de leidende melodielijn. De madrigale vorm gaf ook aanleiding tot polyfoon kanonnen (liedjes waarin meerdere zangers dezelfde melodie zingen, maar beginnend op verschillende tijdstippen), vooral in Italië waar ze werden genoemd Caccie. Dit waren driedelige seculiere stukken, met de twee hogere stemmen in Canon, met een onderliggende instrumentale begeleiding met lange noot.^[8]

Ten slotte ontwikkelde puur instrumentale muziek ook in deze periode, zowel in de context van een groeiende theatrale traditie als voor rechtbank uitvoeringen voor de aristocratie. Dansmuziek, vaak geïmproviseerd rond bekende tropen, was het grootste puur instrumentale genre.^[9] Het seculiere Ballata, die erg populair werd in Trecento Italië had bijvoorbeeld zijn oorsprong in middeleeuwse instrumentale dansmuziek.^[10]

Instrumenten

Een wezen speelt de vielle in de marges van de Uren van Charles de nobele, een boek dat 180 afbeeldingen van middeleeuwse instrumenten bevat, waarschijnlijk meer dan welke andere dan ook urenboek.

Veel instrumenten die worden gebruikt om middeleeuwse muziek uit te voeren, bestaan ​​nog steeds in de 21ste eeuw, maar in verschillende en typisch meer technologisch ontwikkeld vormen.^[11] De fluit was gemaakt van hout in het middeleeuwse tijdperk in plaats van zilver of ander metaal, en kon worden gemaakt als een zijgeblazen of eindgeblazen instrument. Hoewel moderne orkestrale fluiten meestal van metaal zijn gemaakt en complexe belangrijke mechanismen en luchtdichte pads hebben, hadden middeleeuwse fluiten gaten die de artiest moest bedekken met de vingers (zoals bij de recorder). De recorder werd gemaakt van hout tijdens het middeleeuwse tijdperk, en ondanks het feit dat het in de 21e eeuw kan zijn gemaakt van synthetische materialen zoals plastic, heeft het min of meer zijn eerdere vorm behouden. De edelsteen is vergelijkbaar met de recorder omdat het vingergaten op de voorkant heeft, hoewel het eigenlijk een lid is van de ocarina familie. Een van de voorgangers van de fluit, de panfluit, was populair in de middeleeuwen, en is mogelijk Hellenic oorsprong. De leidingen van dit instrument waren gemaakt van hout en zijn in lengte afgestudeerd om verschillende toonhoogtes te produceren.

Middeleeuwse muziek gebruikte vele geplukte snaarinstrumenten zoals de luit, een fretted instrument met een peervormig hol lichaam dat de voorganger is van de moderne gitaar. Andere geplukte rijstinstrumenten omvatten de mandore, Gitern, Citole en psalterie. De dulcimeren, vergelijkbaar in structuur met de psalterie en citer, werden oorspronkelijk geplukt, maar muzikanten begonnen de Dulcimer te slaan met hamers in de 14e eeuw na de komst van nieuwe metaltechnologie die metaalreeksen mogelijk maakte.

De gebogen Lyra van de Byzantijnse rijk was het eerste opgenomen European Bowed String -instrument. Net als de moderne viool produceerde een artiest geluid door een boog te bewegen met gespannen haar over gespannen snaren. De Perzisch geograaf Ibn khurradadhbih van de 9e eeuw (d. 911) citeerde de BYZANTINE LYRA, in zijn lexicografische discussie over instrumenten als een gebogen instrument dat gelijkwaardig is aan de Arabier rabāb en typisch instrument van de Byzantijnen samen met de urghun (orgaan),^{[12][mislukte verificatie]} splyani (Waarschijnlijk een soort harp of lier) en de Salandj (waarschijnlijk een doedelzak).^[13] De sierlijk was (en is nog steeds) een mechanische viool met behulp van een gerosineerd houten wiel dat aan een crank is bevestigd om zijn snaren te "buigen". Instrumenten zonder geluiddozen zoals de Jood's harp waren ook populair. Vroege versies van de pijp orgel, viool (of vielle), en een voorloper van het moderne trombone (genaamd de zakelijk) werden gebruikt.

Notatie

Tijdens de middeleeuwse periode werd de stichting gelegd voor de notationele en theoretische praktijken die westerse muziek zouden vormen in de normen die zich ontwikkelden tijdens de Common Practice Era. De meest voor de hand liggende hiervan is de ontwikkeling van een uitgebreide Muzieknotationaal systeem; De theoretische vooruitgang, met name met betrekking tot ritme en polyfonie, zijn echter even belangrijk voor de ontwikkeling van westerse muziek.

Een monster van Kýrie Eléison Xi (orbis factor) van de Liber usualis. De moderne "neumates" op het personeel boven de tekst geven de toonhoogtes aan van de melodie. Luister ernaar geïnterpreteerd.

De vroegste middeleeuwse muziek had geen enkele vorm van notationeel systeem. De deuntjes waren voornamelijk monofonisch (een single melodie zonder begeleiding) en overgedragen door orale traditie.^[4] Terwijl Rome probeerde de verschillende liturgieën te centraliseren en de Romeinse rite te vestigen als de primaire kerktraditie, was de noodzaak om deze chantmelodieën over grote afstanden effectief over te brengen even overduidelijk.^[14] Zolang muziek alleen aan mensen 'van het gehoor' kon worden geleerd, beperkte het het vermogen van de kerk om verschillende regio's te krijgen om dezelfde melodieën te zingen, omdat elke nieuwe persoon tijd zou moeten doorbrengen met een persoon die al een liedje kende en Leer het "op het gehoor." De eerste stap om dit probleem op te lossen, kwam met de introductie van verschillende tekenen geschreven boven de Chant -teksten om de richting van toonhoogtebeweging aan te geven, genaamd neuven.^[4]

De oorsprong van neuven is onduidelijk en onderhevig aan een debat; De meeste geleerden zijn het er echter over eens dat hun naaste voorouders de klassieke Griekse en Romeinse grammaticale tekenen zijn die belangrijke declamatiepunten aangaven door de opkomst en ondergang van de stem vast te leggen.^[15] De twee basistekenen van de klassieke grammatici waren de Acutus/, het wijzen op een verhoging van de stem, en de Gravis, \, wat een verlaging van de stem aangeeft. Een zanger die een zangtekst met Neume -markeringen leest, zou een algemeen gevoel kunnen krijgen van de vraag of de melodielijn in het veld ging, hetzelfde bleef of in het veld ging. Aangezien getrainde zangers het chantrepertoire goed kenden, dienden schriftelijke neue -markeringen boven de tekst als een herinnering aan de melodie, maar specificeerden de werkelijke intervallen niet.^[16] Een zanger die een chant -tekst met Neume -markeringen leest, zou echter niet kunnen ZICHT LEZEN een lied dat hij of zij nog nooit eerder had gehoord; Deze stukken zouden niet mogelijk zijn om vandaag nauwkeurig te interpreteren zonder latere versies in meer precieze notatiesystemen.^[17]

Deze neumates evolueerden uiteindelijk naar de basissymbolen voor neumatisch Notatie, de virga (of "staaf") die een hogere noot aangeeft en er nog steeds uitzag als de Acutus waaruit het kwam; en de punctum (of "dot") die een lagere noot aangeeft en, zoals de naam al doet vermoeden, de Gravis symbool tot op zekere hoogte.^[15] Dus de Acutus en de Gravis kan worden gecombineerd om grafische vocale verbuigingen op de lettergreep weer te geven.^[15] Dit soort notatie lijkt niet eerder dan de achtste eeuw te hebben ontwikkeld, maar tegen de negende werd het stevig vastgesteld als de primaire methode van muzikale notatie.^[18] De basisnotatie van de virga en de punctum bleven de symbolen voor individuele noten, maar andere neuven Al snel ontwikkeld die verschillende noten toonde. Deze nieuwe neuven—Gerichte ligaturen - zijn in wezen combinaties van de twee originele tekens.^[19]

De eerste muzieknotatie was het gebruik van stippen over de teksten van een gezang, waarbij sommige stippen hoger of lager waren, waardoor de lezer een algemeen gevoel van de richting van de melodie kreeg. Deze vorm van notatie diende echter alleen als geheugenhulp voor een zanger die de melodie al kende.^[20] Deze basis neumatisch Notatie kan alleen het aantal notities specificeren en of ze omhoog of omlaag zijn gegaan. Er was geen manier om exacte toonhoogte, elk ritme of zelfs de startnoot aan te geven. Deze beperkingen zijn verdere aanwijzingen dat de neuven werden ontwikkeld als hulpmiddelen om de praktijk van orale traditie te ondersteunen, in plaats van het te vervangen. Hoewel het echter begon als een louter geheugenhulp, werd de waarde van meer specifieke notatie al snel duidelijk.^[18]

De volgende ontwikkeling in muzikale notatie was "Verhoogd neuven", waarin neuven werden zorgvuldig op verschillende hoogten geplaatst ten opzichte van elkaar. Dit stond de neuven om een ​​ruwe indicatie te geven van de grootte van een bepaald interval en de richting. Dit leidde er snel toe tot een of twee regels, die elk een bepaalde noot vertegenwoordigden, die op de muziek werden geplaatst met alle neuven met betrekking tot de eerdere. In eerste instantie hadden deze lijnen geen specifieke betekenis en hadden in plaats daarvan een letter in het begin geplaatst waarin werd aangegeven welke noot werd weergegeven. De lijnen die midden C en de F A vijfde hieronder aangeven, werden echter langzaam het meest voorkomend. Toen ze aanvankelijk alleen op het perkament waren bekrast, werden de lijnen nu getekend in twee verschillende gekleurde inkten: meestal rood voor F en geel of groen voor C. Dit was het begin van het muzikale personeel.^[21] De voltooiing van het personeel van vier regels wordt meestal gecrediteerd Guido d 'arezzo (c. 1000-1050), een van de belangrijkste muzikale theoretici van de middeleeuwen. Terwijl oudere bronnen de ontwikkeling van het personeel toeschrijven aan Guido, suggereren sommige moderne wetenschappers dat hij meer handelde als een codificator van een systeem dat al werd ontwikkeld. Hoe dan ook, deze nieuwe notatie liet een zanger in staat om stukken hem in een veel kortere tijd volledig onbekend te leren.^[14][22] Hoewel het chant -notatie op veel manieren was gevorderd, bleef er echter één fundamenteel probleem: ritme. De neumatisch Notationeel systeem, zelfs in zijn volledig ontwikkelde staat, definieerde geen duidelijk ritme voor het zingen van noten.^[23]

Muziek theorie

De muziek theorie Van de middeleeuwse periode zag verschillende vorderingen ten opzichte van de eerdere praktijk, zowel met betrekking tot tonaal materiaal, textuur en ritme.

Ritme

Pérotin, "Alleluia nativitas", in de derde ritmische modus.

Met betrekking tot ritme, deze periode had verschillende dramatische veranderingen in zowel zijn conceptie als notatie. Tijdens de vroege middeleeuwse periode was er geen methode om ritme te noteren, en dus is de ritmische praktijk van deze vroege muziek onderworpen aan discussie onder wetenschappers.^[23] Het eerste soort geschreven ritmische systeem dat in de 13e eeuw werd ontwikkeld en was gebaseerd op een reeks modi. Dit ritmische plan werd gecodificeerd door de muziektheoreticus Johannes de Garlandia, auteur van de De Mensurabili Musica (c.1250), de verhandeling die deze definieerde en het meest volledig heeft opgehelderd ritmische modi.^[24] In zijn verhandeling beschrijft Johannes de Garlandia zes soorten van modus, of zes verschillende manieren waarop longs en bresten kunnen worden gerangschikt. Elke modus vormt een ritmisch patroon in beats (of tempora) Binnen een gemeenschappelijke eenheid van drie tempora (a Perfectio) dat wordt steeds opnieuw herhaald. Bovendien is notatie zonder tekst gebaseerd op ketens van ligatuurs (De karakteristieke notaties waarmee groepen notities aan elkaar zijn gebonden).

De ritmische modus kan in het algemeen worden bepaald door de gebruikte ligaturenpatronen.^[25] Zodra een ritmische modus was toegewezen aan een melodische lijn, was er over het algemeen weinig afwijking van die modus, hoewel ritmische aanpassingen konden worden aangegeven door veranderingen in het verwachte patroon van ligaturen, zelfs in de mate van het veranderen van een andere ritmische modus.^[26] De volgende stap voorwaarts over het ritme kwam van de Duitse theoreticus Franco van Keulen. In zijn verhandeling Ars Cantus Mensurabilis ("The Art of Mensible Music"), geschreven rond 1280, beschrijft hij een systeem van notatie waarin verschillend gevormde noten geheel verschillende ritmische waarden hebben. Dit is een opvallende verandering van het eerdere systeem van de Garlandia. Terwijl vóór de lengte van de individuele noot alleen uit de modus zelf kon worden verzameld, maakte deze nieuwe omgekeerde relatie de modus afhankelijk van - en bepaald door - de individuele aantekeningen of figurae die niet -terugveroverde duurzame waarden hebben,^[27] Een innovatie die een enorme impact had op de daaropvolgende geschiedenis van Europese muziek. Het grootste deel van de overlevende genoemde muziek van de 13e eeuw gebruikt de ritmische modi zoals gedefinieerd door Garlandia. De stap in de evolutie van het ritme kwam na het begin van de 13e eeuw met de ontwikkeling van de Ars nova stijl.

De theoreticus die het meest goed wordt herkend met betrekking tot deze nieuwe stijl is Philippe de Vitry, beroemd om het schrijven van de Ars nova ("Nieuwe kunst") Verhandeling rond 1320. Deze verhandeling over muziek gaf zijn naam aan de stijl van dit hele tijdperk.^[28] In sommige opzichten begon het moderne systeem van ritmische notatie met Vitry, die zich volledig bevrijdde van het oudere idee van de ritmische modi. De notationele voorgangers van moderne tijd meters zijn ook afkomstig uit de Ars nova. Deze nieuwe stijl was duidelijk gebouwd op het werk van Franco van Keulen. In het systeem van Franco, de relatie tussen een breve en een semibroeves (dat wil zeggen, half Breves) was gelijk aan dat tussen een breve en een lange: en, sinds voor hem modus was altijd perfect (gegroepeerd in drieën), de tempus Of beat was ook inherent perfect en bevatte daarom drie semibreves. Soms zou de context van de modus een groep van slechts twee semibreves vereisen, maar deze twee semibreves zouden altijd een van de normale lengte en een van de dubbele lengte zijn, waardoor dezelfde tijdstip van tijd is, en zo de perfecte onderverdeling van de tempus.^[29] Deze ternaire divisie gehouden voor alle nootwaarden. De daarentegen, de Ars nova Periode introduceerde twee belangrijke veranderingen: de eerste was een nog kleinere onderverdeling van notities (semiBreves, kon nu worden verdeeld in minimaal), en de tweede was de ontwikkeling van 'menigatie'.

Mensuraties kunnen op verschillende manieren worden gecombineerd om metrische groeperingen te produceren. Deze groeperingen van menuraties zijn de voorlopers van eenvoudige en samengestelde meter.^[30] Tegen de tijd van Ars nova, de perfecte verdeling van de tempus was niet de enige optie omdat duple -divisies meer geaccepteerd werden. Voor Vitry kan de Breve worden verdeeld, voor een hele compositie of sectie van één, in groepen van twee of drie kleinere semibroepen. Op deze manier, de tempus (De term die kwam om de divisie van de Breve aan te duiden) kan "perfect" zijn (tempus perfectum), met ternaire onderverdeling, of "imperfect" (tempus imperfectum), met binaire onderverdeling.^[31] Op dezelfde manier, de divisie van de SemiBreve (genoemd prolatie) kan worden verdeeld in drie minima (prolatio Perfectus of grote prolatie) of twee minima (prolatio imperfectus of kleine prolatie) en, op het hogere niveau, de verlang Divisie (geroepen modus) kunnen drie of twee breven zijn (modus Perfectus of perfecte modus, of modus imperfectus of respectievelijk imperfecte modus).^[32][33] Vitry ging nog een stap verder door de juiste verdeling van een bepaald stuk in het begin aan te geven door het gebruik van een "menigatieteken", gelijkwaardig aan onze moderne "tijdsignatuur".^[34]

Tempus perfectum werd aangegeven door een cirkel, terwijl tempus imperfectum werd aangeduid met een halve cirkel^[34] (het huidige symbool , gebruikt als alternatief voor de ⁴
₄ Tijdsignatuur, is eigenlijk een overblijfsel van dit symbool, geen brief C als afkorting voor "gemeenschappelijke tijd", zoals in de volksmond geloofde). Terwijl veel van deze innovaties worden toegeschreven aan Vitry, en enigszins aanwezig in de Ars nova Verhandeling, het was een eigentijdse - en persoonlijke kennis - van de Vitry, genoemd Johannes de Muris (of Jehan des Mars) die de meest uitgebreide en systematische behandeling van de nieuwe hersurale innovaties van de Ars nova^[30] (Zie het artikel voor een korte uitleg van de meningsnotatie in het algemeen in het algemeen Renaissancemuziek). Veel wetenschappers, die een gebrek aan positief attributory bewijsmateriaal noemen, beschouwen nu "Vitry's" verhandeling als anoniem, maar dit vermindert het belang ervan voor de geschiedenis van ritmische notatie niet. Dit maakt echter de eerste absoluut identificeerbare geleerde om het herenstelsel te accepteren en uit te leggen om De Muris te zijn, van wie kan worden gezegd dat ze ervoor hebben gedaan wat Garlandia deed voor de ritmische modi.

Voor de duur van de middeleeuwse periode zou de meeste muziek voornamelijk in perfecte tempus worden samengesteld, met speciale effecten gecreëerd door secties van imperfecte tempus; Er is een grote huidige controverse onder muziekologen over de vraag of dergelijke secties werden uitgevoerd met een breve van gelijke lengte of dat het veranderde, en zo ja, in welke verhouding. Deze Ars nova stijl bleef het primaire ritmische systeem tot de sterk gesynchroniseerde werken van de ARS -subtilior Aan het einde van de 14e eeuw, gekenmerkt door uitersten van notationele en ritmische complexiteit.^[35] Deze subgenera duwde de ritmische vrijheid die werd geleverd door Ars nova tot het uiterste, met sommige composities met verschillende stemmen die tegelijkertijd in verschillende menigaties zijn geschreven. De ritmische complexiteit die in deze muziek werd gerealiseerd, is vergelijkbaar met die in de 20e eeuw.^[36]

Polyfonie

Pérotine's Viderunt omnes, ca. 13de eeuw.

Van hetzelfde belang voor de algemene geschiedenis van de westerse muziektheorie waren de textuurveranderingen die bij de komst van polyfonie kwamen. Deze oefening vormde westerse muziek in de harmonisch gedomineerde muziek die we vandaag kennen.^[37] De eerste verslagen van deze textuurontwikkeling werden gevonden in twee anonieme maar veel verspreide verhandelingen over muziek, de Muzika en de Scolica Enchiriadeis. Deze teksten zijn gedateerd op ergens in de laatste helft van de negende eeuw.^[38] De verhandelingen beschrijven een techniek die in de praktijk al goed leek te zijn.^[38] Deze vroege polyfonie is gebaseerd op drie eenvoudige en drie samengestelde intervallen. De eerste groep bestaat uit vierde, vijfde en octaven; terwijl de tweede groep octave-plus-vierde, octave-plus-vijfde en dubbele octaven heeft.^[38] Deze nieuwe praktijk krijgt de naam organum door de auteur van de verhandelingen.^[38] Organum kan verder worden geclassificeerd, afhankelijk van de periode waarin het is geschreven. De vroege organum zoals beschreven in de enchiriadeis kan "streng worden genoemd organum" ^[39] Streng organum kan op zijn beurt worden onderverdeeld in twee soorten: Diamente (organum bij het interval van een vijfde) en diatesser (Organum met het interval van een vierde).^[39] Beide van dit soort strikt organum Had problemen met de muzikale regels van die tijd. Als een van hen te lang een origineel gezang liep (afhankelijk van de modus) a tritone zou resulteren.^[40]

Dit probleem was enigszins opgelost door het gebruik van een tweede type organum. Deze tweede stijl van organum werd "gratis genoemd organum". De onderscheidende factor is dat de onderdelen niet alleen in parallelle beweging hoefden te bewegen, maar ook in schuine of tegengestelde beweging konden bewegen. Dit maakte het veel gemakkelijker om de gevreesde Tritone te vermijden.^[41] De laatste stijl van organum dat ontwikkelde stond bekend als "melisme organum", Dat was een nogal dramatische afwijking van de rest van de polyfone muziek tot nu toe. Deze nieuwe stijl was geen opmerking tegen Note, maar was eerder een aanhoudende lijn vergezeld van een bloemige melismatische lijn.^[42] Dit laatste soort organum werd ook opgenomen door de beroemdste polyfone componist van deze tijd -Léonin. Hij verenigde deze stijl met gemeten verdelen Passages, die de ritmische modi gebruikten om het toppunt van te maken organum samenstelling.^[42] Deze laatste fase van organum wordt soms aangeduid als Notre Dame School van polyfonie, omdat dat was waar Léonin (en zijn student Pérotine) waren gestationeerd. Bovendien heeft dit soort polyfonie alle volgende stijlen beïnvloed, waarbij de latere polyfone geslacht van motetten begon als een trope van bestaande Notre Dame organums.

Een ander belangrijk element van de middeleeuwse muziektheorie was het systeem waarmee worpen werden geregeld en begrepen. Tijdens de middeleeuwen, deze systematische opstelling van een reeks hele stappen en halve stappen, wat we nu noemen schaal, stond bekend als een modus. Het modale systeem werkte zoals de schalen van vandaag, Insomuch dat het de regels en het materiaal voor melodisch schrijven bood.^[43] De acht kerkmodi zijn: Dorisch, Hypodoriaans, Frygisch, Hypofrygisch, Lydisch, Hypolydiaans, Mixolydiaan, en Hypomixolydiaan.^[44] Veel van de informatie over deze modi, evenals de praktische toepassing ervan, werd in de 11e eeuw gecodificeerd door de theoreticus Johannes Afflighemensis. In zijn werk beschrijft hij drie definiërende elementen in elke modus: de laatste (of finalis), de reciterende toon (tenor of Confinalis) en het bereik (of ambitus). De Finale is de toon die dient als het brandpunt voor de modus en, zoals de naam al doet vermoeden, bijna altijd als de laatste toon wordt gebruikt. De reciterende toon is de toon die dient als het primaire brandpunt in de melodie (vooral intern). Het is over het algemeen ook de toon die het vaakst in het stuk wordt herhaald, en uiteindelijk schetst het bereik de bovenste en onderste tonen voor een bepaalde modus.^[45] De acht modi kunnen verder worden onderverdeeld in vier categorieën op basis van hun finale (Finale).

Middeleeuwse theoretici die deze paren noemden maneriae en heb ze gelabeld volgens de Griekse ordinale getallen. Die modi die D, E, F en G als hun finale hebben, worden in de groepen geplaatst protus, Deuterus, Tritus, en Tetrardus respectievelijk.^[46] Deze kunnen vervolgens verder worden verdeeld op basis van de vraag of de modus "authentiek" of "plagal" is. Deze onderscheidingen behandelen het bereik van de modus met betrekking tot de finale. De authentieke modi hebben een bereik dat ongeveer een octaaf is (één toon boven of lager is toegestaan) en beginnen aan de finale, terwijl de plagale modi, hoewel ze nog steeds over een octaaf bedekken, een perfecte vierde onder het authentiek beginnen.^[47] Een ander interessant aspect van het modale systeem is de universele vergoeding voor het veranderen van B♮ naar B♭ Wat de modus ook is.^{[48][Verificatie nodig]} De opname van deze toon heeft verschillende toepassingen, maar een die bijzonder gebruikelijk lijkt, is om melodische moeilijkheden te voorkomen, opnieuw veroorzaakt door de Tritone.^[49]

Deze kerkelijke modi hebben, hoewel ze Griekse namen hebben, weinig relatie met de modi zoals uiteengezet door Griekse theoretici. Integendeel, de meeste terminologie lijkt een verduistering van de middeleeuwse theoretici^[44] Hoewel de kerkmodi geen relatie hebben met de oude Griekse modi, wijst de overvloed aan de Griekse terminologie op een interessante mogelijke oorsprong in de liturgische melodieën van de Byzantijns traditie. Dit systeem wordt genoemd octoechos en is ook verdeeld in acht categorieën, genaamd echoi.^[50]

Zie ook voor specifieke middeleeuwse muziektheoretici ook: Isidore van Sevilla, Aurelian van Réôme, Odo van Cluny, Guido van Arezzo, Hermannus contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco van Keulen, Johannes de Garlandia (Johannes gallicus), Anoniem IV, Marchetto da Padova (Marchettus of Padua), Jacques of Luik, Johannes de Grocheo, Petrus de Cruce (Pierre de la Croix), en Philippe de Vitry.

Vroege middeleeuwse muziek (500-1000)

Vroege gezangtradities

Zingen (of verstrekt) is een monofoon Heilige (enkele, niet -begeleide melodie) vorm die de vroegst bekende muziek van de christelijke kerk vertegenwoordigt. Chant ontwikkelde zich afzonderlijk in verschillende Europese centra. Hoewel de belangrijkste waren Rome, Hispania, Gallië, Milaan en Ierland, er waren ook anderen. Deze stijlen zijn allemaal ontwikkeld om de regionale liturgieën te ondersteunen die werden gebruikt bij het vieren van de mis daar. Elk gebied ontwikkelde zijn eigen gezang en regels voor viering. In Spanje en Portugal, Mozarabisch gezang werd gebruikt en toont de invloed van Noord -Afrikaanse muziek. De Mozarabische liturgie overleefde zelfs door Moslim Regel, hoewel dit een geïsoleerde streng was en deze muziek werd later onderdrukt in een poging om de hele liturgie de conformiteit af te dwingen. In Milaan, Ambrosiaans gezang, genoemd naar St. Ambrose, was de standaard, terwijl Beneventan zang ontwikkeld rond Benevento, een ander Italiaans liturgisch centrum. Gallicaans gezang werd gebruikt in Gallië, en Keltisch gezang in Ierland en Groot -Brittannië.

Rond AD 1011, de Rooms -katholieke kerk wilde de Massa en zingen over zijn rijk. Op dit moment was Rome het religieuze centrum van West -Europa en Parijs was het politieke centrum. De standaardisatie -inspanning bestond voornamelijk uit het combineren van deze twee (Romein en Gallicaans) regionale liturgieën. Paus Gregory I (540–604) en Karel de grote (742–814) verzonden getrainde zangers tijdens de Heilig Romeinse rijk (800 | 962–1806) om deze nieuwe vorm van gezang te onderwijzen.^[51] Dit lichaam van gezang werd bekend als Gregoriaanse zang, genoemd naar Paus Gregory I. Tegen de 12e en 13e eeuw had het Gregoriaanse Chant alle andere westerse gezangtradities vervangen, met uitzondering van het Ambrosiaanse gezang in Milaan en het Mozarabische gezang in een paar speciaal aangewezen Spaanse kapellen. Hildegard von Bingen (1098–1179) was een van de vroegst bekende vrouwelijke componisten. Ze schreef veel monofonische werken voor de katholieke kerk, bijna allemaal voor vrouwelijke stemmen.

Vroege polyfonie: organum

Rond het einde van de 9e eeuw, zangers in kloosters zoals St. Gall In Zwitserland begon te experimenteren met het toevoegen van een ander deel aan het gezang, over het algemeen een stem in parallelle beweging, vooral zingen in perfect vierde of vijfde boven de originele melodie (zie interval). Deze ontwikkeling wordt genoemd organum en vertegenwoordigt het begin van contrapunt en uiteindelijk, harmonie.^[52] In de komende eeuwen ontwikkelde Organum zich op verschillende manieren.

De belangrijkste van deze ontwikkelingen was het creëren van "Florid Organum" rond 1100, soms bekend als de School of St. Martial (Vernoemd naar een klooster in Zuid-Centraal Frankrijk, dat het best bewaarde manuscript van dit repertoire bevat). In "Florid Organum" zou de originele melodie in lange noten worden gezongen, terwijl een bijbehorende stem vele noten voor elk van de originele, vaak op een zeer uitgebreide manier zou zingen, en de perfecte nadruk leggen op de perfecte afkomstig (vierde, vijfde en octaven), zoals in de eerdere organa. Latere ontwikkelingen van organum vond plaats in Engeland, waar het interval van de derde was vooral de voorkeur, en waar organa waarschijnlijk werd geïmproviseerd tegen een bestaande chantmelodie, en bij Notre Dame in Parijs, dat het centrum zou zijn van muzikale creatieve activiteit gedurende de dertiende eeuw.

Veel van de muziek uit de vroege middeleeuwse periode is anoniem. Sommige namen zijn mogelijk dichters en tekstschrijvers geweest, en de deuntjes waarvoor ze woorden schreven, kunnen door anderen zijn gecomponeerd. Toewijzing van monofonische muziek van de middeleeuwse periode is niet altijd betrouwbaar. Overlevende manuscripten uit deze periode omvatten de Musica Enchiriadeis, Codex calixtinus van Santiago de Compostela, de Magnus Liber, en de Winchester Troper. Zie voor informatie over specifieke componisten of dichters die tijdens de vroege middeleeuwse periode schrijven Paus Gregory I, St. Godric, Hildegard van Bingen, Hucbald, Notker Balbulus, Odo van Arezzo, Odo van Cluny, en Tutilo.

Liturgisch drama

Een andere muzikale traditie van Europa afkomstig van de vroege middeleeuwen was de liturgisch drama.

Liturgisch drama ontwikkelde zich mogelijk in de 10e eeuw van de tropen - poëtische verfraaiingen van de liturgische teksten. Een van de tropen, de zogenaamde Quem quaeritis, behorend tot de liturgie van Paasochtend, ontwikkelde zich tot een kort spel rond het jaar 950.^[53] De oudste overgebleven schriftelijke bron is de Winchester Troper. Rond het jaar 1000 werd het wijd gezongen in Noord -Europa.^{[54][mislukte verificatie]}

Binnenkort,^{[verduidelijking nodig]} Een soortgelijk kerstspel werd ontwikkeld, muzikaal en tekstueel na de paas en volgden andere toneelstukken.

Er is een controverse onder muziekologen over de instrumentele begeleiding van dergelijke toneelstukken, aangezien de toneelrichtingen, zeer uitgebreid en nauwkeurig in andere opzichten, geen enkele deelname van instrumenten aanvragen. Deze drama's werden uitgevoerd door monniken, nonnen en priesters. In tegenstelling tot seculiere toneelstukken, die werden gesproken, werd het liturgische drama altijd gezongen. Velen zijn voldoende bewaard om moderne wederopbouw en prestaties mogelijk te maken (bijvoorbeeld de Play of Daniel, die onlangs minstens tien keer is opgenomen).

Hoge middeleeuwse muziek (1000–1300)

Goliards

De Goliards waren rondtrekkende dichter-Musici van Europa van de tiende tot het midden van de dertiende eeuw. De meesten waren geleerden of kerkelijk, en ze schreven en zongen in het Latijn. Hoewel veel van de gedichten hebben overleefd, heeft heel weinig van de muziek. Ze waren mogelijk invloedrijk - zelfs beslist zo - op de troubadour-trouvère traditie die zou volgen. De meeste van hun poëzie is seculier en, hoewel sommige liedjes religieuze idealen vieren, zijn anderen eerlijk gezegd profaan, omgaan met dronkenschap, losbandigheid en lechery. Een van de belangrijkste bestaande bronnen van Goliards Chansons is de Carmina Burana.^[55]

Ars Antiqua

Muzikanten die de Spaans spelen Vihuela, de ene met een boog, de andere met de hand geplukt, in de Cantigas de Santa Maria van Alfonso X van Castile, 13de eeuw

Mannen spelen de organistrum, van de Ourense -kathedraal, Spanje, 12e eeuw

De bloei van de Notre Dame School van polyfonie van ongeveer 1150 tot 1250 kwam overeen met de even indrukwekkende prestaties in gotische architectuur: inderdaad het centrum van de activiteit was in de kathedraal van Notre Dame zelf. Soms wordt de muziek van deze periode de Parijse school of het Parijse organum genoemd, en vertegenwoordigt het begin van wat conventioneel bekend staat Ars Antiqua. Dit was de periode waarin ritmisch Notatie verscheen voor het eerst in westerse muziek, vooral een context-gebaseerde methode van ritmische notatie bekend als de ritmische modi.

Dit was ook de periode waarin concepten van formeel ontwikkelde structuur die attent waren ten opzichte van verhouding, textuuren architectonisch effect. Componisten van de periode wisselden Florid en Discant Organum af (meer nota-tegen-note, in tegenstelling tot de opeenvolging van veel noot Melismas tegen lang gehouden noten in het Florid-type), en creëerden verschillende nieuwe muzikale vormen: clausulae, dat waren melisme Secties van Organa geëxtraheerd en uitgerust met nieuwe woorden en verdere muzikale uitwerking; gedrag, die liedjes waren voor een of meer stemmen om ritmisch te zingen, hoogstwaarschijnlijk in een soort processie; en tropen, die toevoegingen waren van nieuwe woorden en soms nieuwe muziek aan secties van ouder gezang. Al deze genres redden er een waren gebaseerd op gezang; Dat wil zeggen, een van de stemmen, (meestal drie, hoewel soms vier) bijna altijd de laagste (de teneur op dit punt) zong een zangmelodie, hoewel met vrij gecomponeerde note-lengtes, waarover de andere stemmen organum zongen. De uitzondering op deze methode was het gedrag, een twee-stemmen samenstelling die vrijelijk in zijn geheel was samengesteld.

De motet, een van de belangrijkste muzikale vormen van de hoge middeleeuwen en renaissance, ontwikkelde zich aanvankelijk tijdens de Notre Dame -periode uit de clausula, met name de vorm die meerdere stemmen gebruiken zoals uitgewerkt door Pérotine, die hiervoor de weg heeft geëffend door veel van zijn voorganger te vervangen (als canon van de kathedraal) Léonin's Lange Florid Clausulae met vervangers in een discante -stijl. Geleidelijk kwamen er hele boeken van deze vervangers, beschikbaar om in en uit de verschillende gezangen te worden gemonteerd. Omdat er in feite meer dan mogelijk in context zijn gebruikt, is het waarschijnlijk dat de clausulae onafhankelijk werd uitgevoerd, hetzij in andere delen van de massa, hetzij in privé -devoties. De clausula, aldus geoefend, werd het motet toen hij werd getroped met niet-liturgische woorden, en dit ontwikkelde zich verder tot een vorm van grote uitwerking, verfijning en subtiliteit Ars nova. Overlevende manuscripten uit dit tijdperk zijn de Montpellier Codex, Bamberg Codex, en Las Huelgas Codex.

Componisten van deze tijd omvatten Léonin, Pérotine, W. de Wycombe, Adam de St. Victor, en Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). Petrus wordt gecrediteerd met de innovatie van het schrijven van meer dan drie semibreves om in de lengte van een breve te passen. Voor de innovatie van Imperfect Tempus werd deze praktijk het tijdperk ingehuldigd van wat nu "Petronian" -motetten wordt genoemd. Deze late 13e-eeuwse werken zijn in drie tot vier delen en hebben meerdere teksten tegelijkertijd gezongen. Oorspronkelijk de tenorlijn (van het Latijn Tenere, "vasthouden") hield een reeds bestaande liturgische zanglijn vast in het oorspronkelijke Latijn, terwijl de tekst van de ene, twee of zelfs drie stemmen hierboven, het Voces Organales, gaf commentaar op het liturgische onderwerp in het Latijn of in het volkstaal Frans. De ritmische waarden van de Voces Organales nam af naarmate de onderdelen vermenigvuldigden, met de duplum (het deel boven de tenor) met kleinere ritmische waarden dan de teneur, de drievoudige (de lijn boven de duplum) met kleinere ritmische waarden dan de duplum, enzovoort. Naarmate de tijd verstreek, de teksten van de Voces Organales werd in toenemende mate seculier van aard en had steeds minder openlijke verbinding met de liturgische tekst in de tenorlijn.^[56]

Het Petronian Motet is een zeer complex genre, gezien zijn mengsel van verschillende semibrede Breves met ritmische modi en soms (met toenemende frequentie) vervanging van seculiere liedjes voor gezang in de tenor. Inderdaad, steeds groter wordende ritmische complexiteit zou een fundamenteel kenmerk zijn van de 14e eeuw, hoewel muziek in Frankrijk, Italië en Engeland in die tijd heel verschillende paden zouden nemen.

Cantigas de Santa Maria

Christelijk en moslims spelen lutes in een miniatuur van Cantigas de Santa Maria van Alfonso x

De Cantigas de Santa Maria ("Canticles of St. Mary") zijn 420 gedichten met muzikale notatie, geschreven in Galicisch-Portugese tijdens het bewind van Alfonso x De wijze (1221–1284).^[57] Het manuscript is waarschijnlijk samengesteld van 1270 tot 1280 en is zeer versierd, met een verlichting om de 10 gedichten.^[58] De verlichtingen tonen vaak muzikanten die van het manuscript een bijzonder belangrijke bron van middeleeuwse muziekiconografie maken.^[57] Hoewel de Cantiga's worden vaak toegeschreven aan Alfonso, het blijft onduidelijk of hij zelf een componist was, of misschien een compiler;^[58] Alfonso is bekend dat het regelmatig muzikanten en dichters voor de rechter is uitgenodigd die ongetwijfeld betrokken waren bij de Cantiga's productie.^[59]

Het is een van de grootste collecties van monofonische (solo) nummers van de Middeleeuwen en wordt gekenmerkt door de vermelding van de maagd Maria In elk nummer, terwijl elk tiende nummer een hymne is. De manuscripten hebben overleefd in vier codices: twee op El Escorial, één op Madrid's nationale bibliotheek, en één in Florence, Italië. Sommigen hebben gekleurd miniaturen Paren van muzikanten die een breed scala van spelen instrumenten.

Troubadours, Trouvères en Minnesänger

Trobadours, 14e eeuw

De muziek van de troubadours en trouvères was een volkstong Traditie van monofonisch seculier lied, waarschijnlijk vergezeld van instrumenten, gezongen door professionele, soms rondtrekkende, muzikanten die net zo bekwaam waren als dichters als zangers en instrumentalisten. De taal van de troubadours was Occitaans (Ook bekend als de Langue D'Oc, of Provençaals); De taal van de Trouvères was oud Frans (ook bekend als Langue d'ole). De periode van de troubadours kwam overeen met de bloei van het culturele leven in Provence die door de twaalfde eeuw en in het eerste decennium van de dertiende duurde. Typische onderwerpen van Troubadour Song waren oorlog, ridderlijkheid en hoofse liefde—De liefde van een geïdealiseerde vrouw van verre. De periode van de troubadours is afgebroken na de Albigensiaanse kruistocht, de felle campagne door Paus onschuldig iii om de Kathar ketterij (en het verlangen van Northern Barons om de rijkdom van het zuiden toe te passen). Overlevende troubadours ging ook naar Portugal, Spanje, Noord -Italië of Noord -Frankrijk (waar de trouvère -traditie leefde), waar hun vaardigheden en technieken bijdroegen aan de latere ontwikkelingen van seculiere muzikale cultuur op die plaatsen.^[51]

De Trouvères en Troubadours deelden vergelijkbare muziekstijlen, maar de Trouvères waren over het algemeen edelen.^[51] De muziek van de Trouvères was vergelijkbaar met die van de troubadours, maar was in staat om te overleven in de dertiende eeuw die niet werd beïnvloed door de Albigenensiaanse kruistocht. De meeste van de meer dan tweeduizend overlevende Trouvère -nummers bevatten muziek en tonen een verfijning zo groot als die van de poëzie die het vergezelt.^[60]

De Minnesänger traditie was de Germaans tegenhanger van de activiteit van de troubadours en trouvères in het westen. Helaas overleven weinig bronnen vanaf die tijd; De bronnen van Minnesang komen meestal uit twee of drie eeuwen na de piek van de beweging, wat leidt tot enige controverse over de nauwkeurigheid van deze bronnen.^[61] Onder de Minnesängers met overlevende muziek zijn Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide, en Niedhart von Reuenthal.

Trovadorismo

In de middeleeuwen, Galicisch-Portugese Was de taal die in bijna heel Iberia werd gebruikt voor lyrische poëzie.^[62] Uit deze taal ontleen beide modern Galicus en Portugees. De Galician-Portugese school, die tot op zekere hoogte werd beïnvloed (voornamelijk in bepaalde formele aspecten) door de Occitan Troubadours, wordt voor het eerst gedocumenteerd aan het einde van de twaalfde eeuw en duurde tot het midden van de veertiende.

De vroegste bestaande compositie in deze school is meestal overeengekomen Ora Faz Ost 'O Senhor de Navarra door de Portugees João Soares de Paiva, meestal gedateerd net voor of na 1200. De troubadours van de beweging, niet te verwarren met de Occitaans troubadours (die in het nabijgelegen rechtbanken bezochten León en Castile), bijna volledig geschreven cantiga's. Begin waarschijnlijk rond het midden van de dertiende eeuw, deze liedjes, ook bekend als Cantares of trovas, begon te worden samengesteld in collecties die bekend staan ​​als Cancioneiros (Songbooks). Drie van dergelijke bloemlezingen zijn bekend: de Cancioneiro da ajuda, de Cancioneiro Colocci-Brancuti (of Cancioneiro da Biblioteca Nacional de lisboa), en de Cancioneiro da Vaticana. Daarnaast is er de onschatbare verzameling van meer dan 400 Galician-Portugese cantiga's in de Cantigas de Santa Maria, welke traditie toeschrijft Alfonso x.

De Galician-Portugese cantiga's kan worden verdeeld in drie basisgenres: liefdespoëzie met mannen, genaamd Cantigas de Amor (of Cantigas d'amor, in Galician-Portugese spelling) vrouwelijke-stemde liefdespoëzie, genaamd Cantigas de Amigo (of Cantigas d'Amigo); en poëzie van belediging en spot genoemd Cantigas de Escárnio e Maldizer (of Cantigas d'Escarnho E de Mal Dizer). Alle drie zijn lyrische genres in de technische zin dat ze strofische nummers waren met ofwel muzikale begeleiding of introductie op een snaarinstrument. Maar alle drie de genres hebben ook dramatische elementen, waardoor vroege wetenschappers ze als lyrisch-dramatisch karakteriseren.

De oorsprong van de Cantigas d'amor is meestal te herleiden Provençaals en Oud Frans lyrische poëzie, maar formeel en retorisch zijn ze heel anders. De Cantigas d'Amigo zijn waarschijnlijk geworteld in een native songtraditie,^[63] Hoewel deze visie is betwist. De Cantigas d'Escarnho e Maldizer Kan ook (volgens Lang) diepe lokale wortels hebben. De laatste twee genres (in totaal ongeveer 900 teksten) maken de Galician-Portugese tekst uniek in het hele panorama van middeleeuwse romantische poëzie.

Troubadours met overlevende melodieën

Componisten van het hoge en late middeleeuwse tijdperk

Late middeleeuwse muziek (1300-1400)

Frankrijk: Ars nova

In deze illustratie uit de satirische verzameling muziek en poëzie Roman de Fauvel, het paard Fauvel staat op het punt om zich bij de vainglory in het bruidsbed te voegen en de mensen vormen een charivari in protest.

Het begin van de Ars nova is een van de weinige duidelijke chronologische afdelingen in middeleeuwse muziek, omdat het overeenkomt met de publicatie van de Roman de Fauvel, een enorme compilatie van poëzie en muziek, in 1310 en 1314. De Roman de Fauvel is een satire op misbruik in de middeleeuwse kerk en is gevuld met middeleeuwse motetten, Lais, rondeaux en andere nieuwe seculiere vormen. Hoewel de meeste muziek anoniem is, bevat het verschillende stukken door Philippe de Vitry, een van de eerste componisten van de isorhythmisch Motet, een ontwikkeling die de veertiende eeuw onderscheidt. Het isoritmische motet werd geperfectioneerd door Guillaume de Machaut, de beste componist van die tijd.

Tijdens de Ars nova ERA, seculiere muziek verwierf een polyfone verfijning die voorheen alleen in heilige muziek werd gevonden, een ontwikkeling die niet verrassend is gezien het seculiere karakter van de vroege renaissance (terwijl deze muziek meestal wordt beschouwd als "middeleeuws", waren de sociale krachten die het produceerden verantwoordelijk voor het begin van het begin van het begin van het begin van het begin van De literaire en artistieke renaissance in Italië - het onderscheid tussen middeleeuwen en renaissance is wazig, vooral gezien kunst die zo verschillend zijn als muziek en schilderen). De voorwaarde "Ars nova"(Nieuwe kunst, of nieuwe techniek) werd bedacht door Philippe de Vitry in zijn verhandeling van die naam (waarschijnlijk geschreven in 1322), om de praktijk te onderscheiden van de muziek van de onmiddellijke voorgaande leeftijd.

Het dominante seculiere genre van de Ars Nova was de chanson, omdat het nog twee eeuwen in Frankrijk zou blijven. Deze chansons waren samengesteld in muzikale vormen die overeenkomen met de poëzie die ze instelden,^[64] die in de zogenaamde waren Vormen fixes van rondeau, ballade, en virelai. Deze vormen beïnvloedden de ontwikkeling van de muzikale structuur aanzienlijk op manieren die zelfs vandaag worden gevoeld; bijvoorbeeld de Ouvert-Clos Rhyme-Scheme gedeeld door alle drie eiste een muzikale realisatie die rechtstreeks bijdroeg aan de moderne notie van antecedent en daaruit voortvloeiende zinnen. Het was ook in deze periode, waarin de lange traditie begon om de massa gewoon te bepalen. Deze traditie begon rond het midden van de eeuw met geïsoleerde of gepaarde instellingen van Kyries, Glorias, enz., Maar Machaut gecomponeerd wat wordt beschouwd als de eerste complete massa opgevat als één compositie. De geluidswereld van Ars Nova Music is een van lineair primaat en ritmische complexiteit. "Rustende" intervallen zijn de vijfde en octaaf, met derden en zesde beschouwd als dissonanties. Springen van meer dan een zesde in individuele stemmen zijn niet ongewoon, wat leidt tot speculatie van instrumentele participatie, althans bij seculiere prestaties. Overlevende Franse manuscripten zijn de Ivrea codex en de apt codex.

Zie voor informatie over specifieke Franse componisten die in het late middeleeuwse tijdperk schrijven Jehan de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Aanmaak, en François Andrieu.

Italië: Trecento

Het grootste deel van de muziek van Ars nova was Frans van oorsprong; De term wordt echter vaak losjes toegepast op alle muziek van de veertiende eeuw, vooral om de seculiere muziek in Italië op te nemen. Daar werd deze periode vaak aangeduid als Trecento. Italiaanse muziek staat altijd bekend om zijn lyrische of melodische karakter, en dit gaat in veel opzichten terug naar de 14e eeuw. Italiaanse seculiere muziek van deze tijd (wat weinig overlevende liturgische muziek is, is vergelijkbaar met de Fransen, behalve enigszins andere notatie) bevatte wat de cantalina Stijl, met een bloemende topstem ondersteund door twee (of zelfs één; een behoorlijke hoeveelheid Italiaanse trecento -muziek is voor slechts twee stemmen) die regelmatiger en langzamer bewegend zijn. Dit type textuur bleef ook een kenmerk van de Italiaanse muziek in de populaire seculiere genres uit de 15e en 16e eeuw en was een belangrijke invloed op de uiteindelijke ontwikkeling van de trio -textuur die een revolutie teweegbracht in muziek in de 17e.

Er waren drie hoofdvormen voor seculiere werken in de trecento. Een was de madrigaal, niet hetzelfde als die van 150-250 jaar later, maar met een vers/refreinachtige vorm. Drie-lijns strofen, elk met verschillende woorden, afwisseld met een twee-lijns Ritornello, met dezelfde tekst bij elk uiterlijk. Misschien kunnen we de zaden van de daaropvolgende late renaissance en barokke ritornello op dit apparaat zien; Ook keert het steeds weer terug, elke keer herkenbaar, in tegenstelling tot zijn omliggende verschillende secties. Een ander formulier, de kaccia ("Chase") werd geschreven voor twee stemmen in een canon op de Unison. Soms bevatte deze vorm ook een ritornello, die af en toe ook in een canonische stijl was. Meestal gaf de naam van dit genre een dubbele betekenis, omdat de teksten van kaccia waren voornamelijk over jachten en gerelateerde buitenactiviteiten, of op zijn minst met actiescènes; Tweede betekenis was dat een stem kaccia (volgt, ren na) de voorgaande. De derde hoofdvorm was de ballata, wat ongeveer gelijk was aan de Fransen virelai.

Overlevende Italiaanse manuscripten zijn de Squarcialupi codex en de Rossi Codex. Zie voor informatie over specifieke Italiaanse componisten die in het late middeleeuwse tijdperk schrijven Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Giovanni da Firenze (aka giovanni da cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da perugia, en Maestro Piero.

Duitsland: Geisslerlieder

De Geisslerlieder waren de liedjes van rondzwervende bands van flagellanten, die probeerde de toorn van een boze God te sussen door boetvaardige muziek, vergezeld van versterving van hun lichaam. Er waren twee afzonderlijke perioden van activiteit van Geisslerlied: één rond het midden van de dertiende eeuw, waaruit helaas geen muziek overleeft (hoewel talloze teksten doen); en nog een van 1349, waarvoor zowel woorden als muziek intact overleven vanwege de aandacht van een enkele priester die over de beweging schreef en de muziek opneemde. Deze tweede periode komt overeen met de verspreiding van de Zwarte Dood in Europa, en documenteert een van de meest verschrikkelijke gebeurtenissen in de Europese geschiedenis. Beide perioden van geisslerlied -activiteit waren voornamelijk in Duitsland.

ARS -subtilior

De Chanson Belle, Bonne, salie door Baude Cordier, een ARS -subtilior stuk opgenomen in de Chantilly codex

Zoals vaak gezien aan het einde van een muzikaal tijdperk, wordt het einde van het middeleeuwse tijdperk gekenmerkt door een zeer manistische stijl die bekend staat als ARS -subtilior. In sommige opzichten was dit een poging om de Franse en Italiaanse stijlen te versmelten. Deze muziek was zeer gestileerd, met een ritmische complexiteit die pas in de 20e eeuw werd geëvenaard. In feite was niet alleen de ritmische complexiteit van dit repertoire grotendeels ongeëvenaard gedurende vijf en een halve eeuw, met extreme syncopaties, heren- en zelfs voorbeelden van Augenmusik (zoals een chanson door Baude Cordier Geschreven in manuscript in de vorm van een hart), maar ook het melodische materiaal was ook vrij complex, vooral in zijn interactie met de ritmische structuren. Reeds besproken onder ARS Nova was de praktijk van het isoritme, dat zich tot het begin van de 15e eeuw tot het begin van de 15e eeuw heeft gehaald en in feite de hoogste mate van verfijning bereikte. In plaats van isoritmische technieken in een of twee stemmen te gebruiken, of ze te ruilen tussen stemmen, kwamen sommige werken een doordringende isoritmische textuur bevatten die concurreert met het integrale serialisme van de 20e eeuw in zijn systematische ordening van ritmische en tonale elementen. De term "maniertje" werd toegepast door latere wetenschappers, omdat het vaak is, in reactie op een indruk van verfijning die voor zichzelf wordt beoefend, een ziekte die sommige auteurs hebben geïnfecteerd de ARS -subtilior.

Een van de belangrijkste bestaande bronnen van Ars subtilior chansons is de Chantilly codex. Voor informatie over specifieke componisten die muziek schrijven in ARS -subtilior stijl, zie Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (aka Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Grijns, Jacob Senleches, en Baude Cordier.

Overgang naar de renaissance

Manuscript van de massa Missa O Crux Lignum door Antoine Busnois (ca. 1450).

Het einde van het middeleeuwse tijdperk afbakenen en het begin van de Renaissance -tijdperk, wat betreft de samenstelling van muziek, is moeilijk. Hoewel de muziek van de veertiende eeuw vrij duidelijk middeleeuws is in de conceptie, wordt de muziek van de vroege vijftiende eeuw vaak opgevat als behorend tot een overgangsperiode, waardoor niet alleen sommige idealen van het einde van de middeleeuwen worden behouden (zoals een type van polyfoon schrijven waarin de delen sterk verschillen van elkaar in karakter, omdat elk zijn specifieke textuurfunctie heeft), maar ook enkele van de karakteristieke eigenschappen van de renaissance vertoont (zoals de steeds internationale stijl die zich ontwikkelt door de verspreiding van Franco-Flemish muzikanten in heel Europa, en in termen van textuur een toenemende gelijkheid van delen). Muziekhistorici zijn het niet eens wanneer het tijdperk van Renaissance begon, maar de meeste historici zijn het erover eens dat Engeland nog steeds een middeleeuwse samenleving was in de vroege vijftiende eeuw (zie periodisatieproblemen van de middeleeuwen). Hoewel er geen consensus is, is 1400 een nuttige marker, omdat het rond die tijd was dat de Renaissance in volle gang kwam in Italië.

De toenemende afhankelijkheid van het interval van de derde als consonantie is een van de meest uitgesproken kenmerken van overgang naar de renaissance. Polyfonie, in gebruik sinds de 12e eeuw, werd in de 14e eeuw steeds meer uitgebreid met zeer onafhankelijke stemmen. Met John Dunstaple en andere Engelse componisten, deels door de lokale techniek van Faburden (Een improviserend proces waarin een chant -melodie en een schriftelijk deel voornamelijk in parallelle zesde erboven worden versierd door een gezongen in perfecte vierde onder de laatste, en die later het continent als "fauxbordon" vastlegde), het interval van de derde komt naar voren als een belangrijke muzikale ontwikkeling; omwille van dit Contapy Angloise ("Engels gelaat"), wordt de muziek van Engelse componisten vaak beschouwd als de eerste die minder echt bizar klinkt voor publiek uit de 2000s die niet zijn opgeleid in de muziekgeschiedenis.

Engelse stilistische neigingen waren in dit opzicht tot bloei gekomen en begonnen de continentale componisten al in de jaren 1420 te beïnvloeden, zoals te zien is in werken van de jongeren Darmay, onder andere. Terwijl de Honderd jaar oorlog Vervolg, Engelse edelen, legers, hun kapellen en gevolg, en daarom enkele van hun componisten, reisden in Frankrijk en voerden hun muziek daar uit; Er moet natuurlijk ook aan worden herinnerd dat de Engelse gecontroleerde delen van Noord -Frankrijk op dit moment. Engelse manuscripten omvatten de Worcester -fragmenten, The Old St. Andrews Music Book, the Oude Hall Manuscripten Egerton manuscript. Zie voor informatie over specifieke componisten die worden beschouwd als overgangs tussen de middeleeuwse en de renaissance Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli, Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Power, en John Dunstaple.

Een vroege componist van de Franco-Flemish School van de Renaissance was Johannes Ockeghem (1410/1425 –1497). Hij was het beroemdste lid van de Franco-Flemish School in de laatste helft van de 15e eeuw, en wordt vaak overwogen^{[Wezel woorden]} de meest invloedrijke componist tussen Darmay en Josquin des prez. Ockeghem heeft waarschijnlijk gestudeerd met Gilles Binchois, en was tenminste nauw met hem verbonden aan het Bourgondische hof. Antoine Busnois schreef een motet ter ere van Ockeghem. Ockeghem is een directe link van de Bourgondische stijl naar de volgende generatie Nederlanders, zoals Obrechte en Josquin. Een sterke invloed op Josquin des prez En de daaropvolgende generatie Nederlanders, Ockeghem was beroemd in heel Europa Charles VII voor zijn expressieve muziek, hoewel hij even bekend stond om zijn technische bekwaamheid.^[65]

Invloed hebben

De muziekstijlen van Pérotine beïnvloede componisten uit de 20e eeuw zoals John Luther Adams^[66] en minimalistisch componist Steve Reich.^[67]

Bardcore, wat betrekking heeft op remixen Beroemde popnummers om een ​​middeleeuwse instrumentatie te hebben, werd een populair meme in 2020.^[68]

Referenties

Bronnen

• Brown, Howard Mayer; Stein, Louise K. (1998). Muziek in de Renaissance (2e ed.). Londen: Pearson PLC. ISBN 978-0-13-400045-9.
• Caldwell, John (2019) [1978]. Middeleeuwse muziek. Oxford: Taylor & Francis. ISBN 978-0-429-57526-6.
• Chandler, Richard E.; Schwartz, Kessel (1991). Een nieuwe geschiedenis van de Spaanse literatuur (1e ed.). Baton Rouge: Louisiana State University Press. ISBN 978-0-8071-1735-4.
• Christensen, Thomas, ed. (2002). De Cambridge -geschiedenis van de westerse muziektheorie. Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 978-1-139-05347-1.
• Fasler, Margot (2014). Frisch, Walter (ed.). Muziek in het middeleeuwse Westen. Western Music in Context: A Norton History (1st ed.). New York: W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-92915-7.
• Gibbs, Marion E.; Johnson, Sidney M., eds. (1997). Middeleeuwse Duitse literatuur: een metgezel. Londen: Routledge. ISBN 978-0-415-92896-0.
• Hindley, Goffrey, ed. (1971). De Larousse Encyclopedia of Music. Londen: Hamlyn. ISBN 978-0-600-02396-8.
• Hoppin, Richard (1978). Middeleeuwse muziek. De Norton Inleiding tot muziekgeschiedenis (1e editie). New York: W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-09090-1.
• Kartomi, Margaret J. (1990). Over concepten en classificaties van muziekinstrumenten. Chicago: Universiteit van Chicago Press. ISBN 978-0-226-42549-8.
• McKinnon, James, ed. (1990). Oudheid en de middeleeuwen: van het oude Griekenland tot de 15e eeuw. Londen: Palgrave Macmillan. ISBN 978-1-349-21157-9.
• Michaëlis de Vasconcellos, Carolina (1904). Cancioneiro da ajuda (in het Portugees) (Edição Critica e Commentada ed.). Halle A.S.: M. Niemeyer. Oclc 906105804.
• Parrish, Carl (1957). De notatie van middeleeuwse muziek. Londen: Faber en Faber. Oclc 906105804.
• Seay, Albert (1965). Muziek in de middeleeuwse wereld. Englewood Cliffs: Prentice Hall. Oclc 468886489.
• Ultan, Lloyd (1977). Muziektheorie: problemen en praktijken in de middeleeuwen en renaissance. Minneapolis: Universiteit van Minnesota Press. ISBN 978-1-4529-1208-0.
• Wolinski, Mary; Borders, James (26 februari 2020). "Middeleeuwse muziek". Oxford Bibliographies: Muziek. Oxford: Oxford Universiteit krant. doen:10.1093/obo/9780199757824-0269. ISBN 978-0-19-975782-4. (abonnement vereist)
• Yudkin, Jeremy (1989). Muziek in middeleeuws Europa (1e ed.). Upper Saddle River: Prentice Hall. ISBN 978-0-13-608192-0.

Verder lezen

• Abraham, Gerald; Hughes, Dom Anselm, eds. (1960). Ars Nova en de Renaissance 1300-1540. De New Oxford -geschiedenis van muziek. Vol. Iii. Oxford, Engeland: Oxford Universiteit krant. ISBN 978-0-19-316303-4.
• Butterfield, Ardis (2002), Poëzie en muziek in het middeleeuwse Frankrijk, Cambridge: Cambridge University Press.
• Cyrus, Cynthia J. (1999), "Music": middeleeuwse woordenlijst Orb online encyclopedie (15 oktober) (archief van 9 augustus 2011; bezocht op 4 mei 2017.
• Derrick, Henry (1983), The Listeners Guide to Medieval & Renaissance Music, New York, NY: Feiten in het dossier.
• Fenlon, Iain (2009). Vroege muziekgeschiedenis: studies in middeleeuwse en vroegmoderne muziek. Cambridge, Engeland: Cambridge University Press. ISBN 978-0-521-10431-9.
• Gómez, Maricarmen; Haggh, Barbara (mei 1990). "Minstrel -scholen in de late middeleeuwen". Vroege muziek. Oxford Universiteit krant. 18 (2): 212–216. Jstor 3127809.
• Haines, John. (2004). "Wissen in dertiende-eeuwse muziek". Muziek en middeleeuwse manuscripten: paleografie en uitvoering. Andershot: Ashgate. Pg. 60–88.
• Haines, John. (2011). De kalligrafie van middeleeuwse muziek. Brepols Publishers.
• Hartt, Jared C., ed. (2018), Een kritische metgezel voor middeleeuwse motetten, Woodbridge: Boydell.
• Pirrotta, Nino (1980), "Medieval" in The New Grove Dictionary of Music and Musicians, ed. Stanley Sadie, Vol. 20, Londen: Macmillan.
• Reese, Gustave (1940). Muziek in de middeleeuwen: met een inleiding op de muziek van de oude tijden. Lanham, Maryland: W. W. Norton & Company. ISBN 978-0-393-09750-4.
• Remnant, M. 1965. 'The Gitern in English Medieval Art', Galpin Society logboek, Vol. 18, 104–9.
• Remnant, M. "Het gebruik van frets op rebecs en middeleeuwse viool" Galpin Society Journal, 21, 1968, p. 146.
• Remnant, M. and Marks, R. 1980. 'Een middeleeuwse' Gitern '', British Museum Yearbook 4, Music and Civilization, 83–134.
• Remnant, M. "Musical Instruments of the West". 240 pp. Batsford, Londen, 1978. Herdrukt door Batsford in 1989 ISBN978-0-7134-5169-6. Gedigitaliseerd door de Universiteit van Michigan 17 mei 2010.
• Remnant, Mary (1986). Engelse gebogen instrumenten van Anglo-Saxon tot Tudor Times. Clarendon Press. ISBN 978-0-1981-6134-9.
• Remnant, Mary (1989). Muziekinstrumenten: een geïllustreerde geschiedenis: van de oudheid tot het heden. 54. Amadeus Press. ISBN 978-0-9313-4023-9.

Externe links

• Middeleeuwse Music & Arts Foundation
• Dialm, de Digitaal beeldarchief van middeleeuwse muziek
• Middeleeuwse componisten: Scores op de International Music Score Library Project
• The Schøyen Collection: Music (scans van middeleeuws muzikale notatie)
• Répertoire International des Sources Musicales (Rism), Een gratis, doorzoekbare database van wereldwijde locaties voor muziekmanuscripten tot ca. 1800