Klassieke periode (muziek)

Dit artikel gaat over westerse kunstmuziek die is geschreven van ongeveer 1750 tot 1820. Voor westerse kunstmuziek van de middeleeuwen tot heden, zie Klassieke muziek.
Wolfgang Amadeus Mozart (zittend op het toetsenbord)

De Klassieke periode was een tijdperk van klassieke muziek tussen ongeveer 1750 en 1820.[1]

De klassieke periode daalt tussen de Barok en de Romantisch perioden. Klassieke muziek heeft een lichtere, duidelijkere textuur dan barokke muziek, maar een meer verfijnde[Definitie nodig] gebruik van vorm. Het is vooral homofonisch, met behulp van een duidelijke melodie Lijn boven een ondergeschikte akkoord begeleiding,[2] maar contrapunt was zeker niet vergeten, vooral in liturgisch Vocale muziek en, later in de periode, seculiere instrumentale muziek. Het maakt ook gebruik van stijl galant die de nadruk legde op lichte elegantie in plaats van de waardige ernst en indrukwekkende grandeur van de barok. Variëteit en contrast binnen een stuk werden meer uitgesproken dan voorheen en de orkest Verhoogd in grootte, bereik en vermogen.

De klavecimbel werd vervangen als het belangrijkste toetsenbordinstrument door de piano (of Fortepiano). In tegenstelling tot het klavecimbel, dat snaren met kills plukt, slaan piano's de strings toe met met leer bedekte hamers wanneer de toetsen worden ingedrukt, waardoor de artiest luider of zachter kan spelen (vandaar de oorspronkelijke naam "Fortepiano", letterlijk "luid zacht") en Speel met meer expressie; De kracht waarmee een performer de klavechord -toetsen speelt, verandert daarentegen het geluid niet. Instrumentale muziek werd als belangrijk geacht door componisten in de klassieke periode. De belangrijkste soorten instrumentale muziek waren de sonate, trio, strijkkwartet, kwintet, symfonie (uitgevoerd door een orkest) en de solo concerto, met een virtuoze solo -artiest die een solowerk speelde voor viool, piano, fluit of een ander instrument, vergezeld van een orkest. Vocale muziek, zoals Liedjes voor een zanger en piano (met name het werk van Schubert), koorwerken, en opera (een geënsceneerd dramatisch werk voor zangers en orkest) waren ook belangrijk in deze periode.

De bekendste componisten uit deze periode zijn Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven, en Franz Schubert; Andere namen in deze periode zijn: Carl Philipp Emanuel Bach, Johann Christian Bach, Luigi Boccherini, Domenico Cimarosa, Joseph Martin Kraus, Muzio Clementi, Christoph Willibald Gluck, Carl Ditters von dittersdorf, André Grétry, Pierre-Alexandre MonSigny, Leopold Mozart, Michael Haydn, Giovanni Paisiello, Johann Baptist Wanhal, François-André Danican Philidor, Niccolò piccinni, Antonio Salieri, Georg Christoph wagenseil, Georg Matthias Monn, Johann Gottlieb Graun, Carl Heinrich Graun, Franz Benda, Georg Anton Benda, Johann Georg Albrechtsberger, Mauro Giuliani, Christian Cannabich en de Chevalier de Saint-Georges. Beethoven wordt beschouwd als een romantische componist of een componist van de klassieke periode die deel uitmaakte van de overgang naar het romantische tijdperk. Schubert is ook een overgangsfiguur, zoals dat was Johann Nepomuk Hummel, Luigi Cherubini, Gaspare spontini, Gioachino Rossini, Carl Maria von Weber, Jan Ladislav Dussek en Niccolò paganini. De periode wordt soms het tijdperk van aangeduid Weense classicisme (Duits: Wiener Klassik), sinds Gluck, Haydn, Salieri, Mozart, Beethoven en Schubert allemaal werkten Wenen.

Classicisme

In het midden van de 18e eeuw begon Europa zich in te gaan op een nieuwe stijl in architectuur, literatuur en kunst, algemeen bekend als Neoklassiek. Deze stijl probeerde de idealen van te emuleren van Klassieke oudheid, vooral die van Klassiek Griekenland.[3] Klassieke muziek gebruikte formaliteit en nadruk op volgorde en hiërarchie, en een "duidelijkere", "schonere" stijl die duidelijkere afdelingen tussen onderdelen gebruikte (met name een duidelijke, enkele melodie vergezeld door akkoorden), helderdere contrasten en "toonkleuren" (bereikt door het gebruik van dynamische veranderingen en modulatie naar meer sleutels). In tegenstelling tot de rijk gelaagde muziek van het barokke tijdperk, ging klassieke muziek naar eenvoud in plaats van complexiteit. Bovendien begon de typische grootte van orkesten toe te nemen,[3] Orkesten een krachtiger geluid geven.

De opmerkelijke ontwikkeling van ideeën in "natuurlijke filosofie"had zich al in het publieke bewustzijn gevestigd. In het bijzonder, Newton's natuurkunde werd als een paradigma genomen: structuren moeten goed onderbouwd zijn axioma's en wees zowel goed gearticuleerd als geordend. Deze smaak voor structurele duidelijkheid begon muziek te beïnvloeden, die wegging van de gelaagde polyfonie van de barokke periode naar een stijl die bekend staat als homofonie, waarin de melodie wordt gespeeld over een ondergeschikte harmonie.[3] Deze beweging betekende dat akkoorden werd een veel vaker voorkomend kenmerk van muziek, zelfs als ze de melodische gladheid van een enkel onderdeel onderbrak. Als gevolg hiervan, de tonaal structuur van een muziekstuk werd Hoorbaarder.

De nieuwe stijl werd ook aangemoedigd door veranderingen in de economische orde en sociale structuur. Naarmate de 18e eeuw goed vorderde, werd de adel de belangrijkste beschermheren van instrumentale muziek, terwijl de publieke smaak steeds meer de voorkeur gaf aan lichtere, grappige, grappig komische opera's. Dit leidde tot veranderingen in de manier waarop muziek werd uitgevoerd, waarvan de meest cruciale overstap was naar standaard instrumentale groepen en de vermindering van het belang van de voortgezet- Het ritmische en harmonische basis van een muziekstuk, meestal gespeeld door een toetsenbord (klavecimbel of orgaan) en meestal vergezeld van een gevarieerde groep basinstrumenten, inclusief cello, dubbele bas, basviool, en theorbo. Een manier om de achteruitgang van de continuo en zijn te traceren bedacht akkoorden is om de verdwijning van de term te onderzoeken obligaat, wat betekent een verplicht instrumentaal onderdeel in een werk van kamermuziek. In barokke composities kunnen extra instrumenten worden toegevoegd aan de continuo -groep volgens de voorkeur van de groep of leider; In klassieke composities werden alle onderdelen specifiek opgemerkt, hoewel niet altijd opgemerkt, dus de term "obbligato" werd overbodig. Tegen 1800 was Basso Continuo vrijwel uitgestorven, behalve het incidentele gebruik van een pijp orgel continuo deel in een religieus Massa in de vroege jaren 1800.

Economische veranderingen hadden ook het effect van het veranderen van de balans van beschikbaarheid en kwaliteit van muzikanten. Terwijl in de late barok een grote componist de hele muzikale middelen van een stad zou hebben om uit te putten, waren de muzikale krachten die beschikbaar waren in een aristocratische jachtlodge of een kleine rechtbank kleiner en meer vast in hun niveau van bekwaamheid. Dit was een aanzet om eenvoudiger onderdelen te hebben voor ensemble -muzikanten om te spelen, en in het geval van een ingezeten virtuo -groep, een aansporing om spectaculaire, idiomatische onderdelen te schrijven voor bepaalde instrumenten, zoals in het geval van de Mannheim Orchestra, of virtuoze solo -onderdelen voor bijzonder bekwame violisten of flautisten. Bovendien is de eetlust van het publiek voor een voortdurende aanbod van nieuwe muziek die van de barok is overgedragen. Dit betekende dat werken op zijn best moesten kunnen presteren met een of twee repetities. Zelfs na 1790 schrijft Mozart over "de repetitie", met de implicatie dat zijn concerten slechts één repetitie zouden hebben.

Aangezien er meer nadruk lag op een enkele melodische lijn, was er meer nadruk op het noteren van die lijn voor dynamiek en frasering. Dit staat in contrast met het barokke tijdperk, wanneer melodieën meestal werden geschreven zonder dynamiek, fraserende merken of ornamenten, omdat werd aangenomen dat de uitvoerder deze elementen ter plaatse zou improviseren. In het klassieke tijdperk werd het vaker voor componisten om aan te geven waar ze wilden dat artiesten ornamenten zoals trillingen of beurten zouden spelen. De vereenvoudiging van de textuur maakte dergelijke instrumentele details belangrijker, en maakte ook het gebruik van karakteristieke ritmes, zoals aandacht-gekziting-openingsfanfares, het ritme van de begrafenismars of het Minuet-genre, belangrijker bij het vestigen en verenigen van de toon van een enkele beweging .

De klassieke periode zag ook de geleidelijke ontwikkeling van Sonate -vorm, een reeks structurele principes voor muziek die de klassieke voorkeur voor melodisch materiaal met harmonische ontwikkeling verzoend, die over muzikale genres kon worden toegepast. De sonate zelf bleef de belangrijkste vorm voor solo- en kamermuziek, terwijl later in de klassieke periode de strijkkwartet werd een prominent genre. De symfonie vorm voor orkest is in deze periode gemaakt (dit wordt in de volksmond toegeschreven aan Joseph Haydn). De concerto grosso (een concert voor meer dan één muzikant), een zeer populaire vorm in het barokke tijdperk, begon te worden vervangen door de solo -concerto, met slechts één solist. Componisten begonnen meer belang te hechten aan het vermogen van de specifieke solist om te pronken met virtuoze vaardigheden, met uitdagende, snelle schaal en arpeggio -runs. Desalniettemin sommigen Concerti Grossi bleef, waarvan de beroemdste van die van Mozart is Sinfonia concertante voor viool en altviool in e-flat major.

Een modern strijkkwartet. In de jaren 2000, strijkkwartetten Uit het klassieke tijdperk zijn de kern van de kamermuziekliteratuur. Van links naar rechts: viool 1, viool 2, cello, altviool

Belangrijkste kenmerken

In de klassieke periode, de thema bestaat uit zinnen met contrasterende melodische figuren en ritmes. Deze zinnen zijn relatief kort, meestal vier staven lang en kunnen af ​​en toe schaars of kort lijken. De textuur is vooral homofonisch,[2] met een duidelijke melodie boven een ondergeschikte akkoord begeleiding, bijvoorbeeld een Alberti Bass. Dit staat in contrast met de praktijk in Barokke muziek, waar een stuk of beweging meestal slechts één muzikaal onderwerp zou hebben, dat dan zou worden uitgewerkt in een aantal stemmen volgens de principes van contrapunt, met behoud van een consistent ritme of meter overal. Als gevolg hiervan heeft klassieke muziek de neiging om een ​​lichtere, duidelijkere textuur te hebben dan de barok. De klassieke stijl is gebaseerd op de stijl galant, een muzikale stijl die de nadruk legde op lichte elegantie in plaats van de waardige ernst en indrukwekkende grandeur van de barok.

Structureel heeft klassieke muziek over het algemeen een duidelijk muzikale vorm, met een goed gedefinieerd contrast tussen tonic en dominant, geïntroduceerd door Clear cadans. Dynamiek worden gebruikt om de structurele kenmerken van het stuk te benadrukken. Vooral, Sonate -vorm en de varianten werden ontwikkeld tijdens de vroege klassieke periode en werden vaak gebruikt. De klassieke benadering van structuur staat opnieuw in contrast met de barok, waar een compositie normaal zou bewegen tussen tonic en dominant en weer terug, maar door een voortdurende vooruitgang van akkoordveranderingen en zonder een gevoel van "aankomst" bij de nieuwe sleutel. Hoewel het contrapunt minder werd benadrukt in de klassieke periode, was het geenszins vergeten, vooral later in de periode, en componisten gebruikten nog steeds contrapunt in "serieuze" werken zoals symfonieën en strijkkwartetten, evenals religieuze stukken, zoals massa's.

De klassieke muzikale stijl werd ondersteund door technische ontwikkelingen in instrumenten. De wijdverbreide acceptatie van Gelijk temperament Gemaakte klassieke muzikale structuur mogelijk, door ervoor te zorgen dat cadans in alle toetsen vergelijkbaar klonk. De Fortepiano en dan de pianoforte vervangen de klavecimbel, het mogelijk maken van meer dynamisch contrast en meer aanhoudende melodieën. In de klassieke periode werden toetsenbordinstrumenten rijker, sonore en krachtiger.

Het orkest nam toe in grootte en bereik en werd meer gestandaardiseerd. De klavecimbel of pijp orgel basso continuo De rol in het orkest viel uit gebruik tussen 1750 en 1775, waardoor het snaargedeelte werd verlaten houtblazers werd een op zichzelf staand gedeelte, bestaande uit klarinetten, hoboes, fluiten en bassouten.

Terwijl vocale muziek zoals komische opera Was populair, er werd groot belang aan instrumentale muziek. De belangrijkste soorten instrumentale muziek waren de sonate, trio, strijkkwartet, kwintet, symfonie, concerto (meestal voor een virtuoze solo -instrument vergezeld van orkest), en lichte stukken zoals zoals serenades en divertimentos. Sonate -vorm ontwikkeld en de belangrijkste vorm werd. Het werd gebruikt om het eerste deel van de meeste grootschalige werken op te bouwen symfonieën en strijkkwartetten. Sonata -vorm werd ook gebruikt in andere bewegingen en in enkele, zelfstandige stukken zoals zoals ouvertures.

Geschiedenis

Barok/klassieke overgang c. 1750–1760

Zie ook: Geschiedenis van Sonata -vorm
Gluck, detail van een portret door Joseph Duplessis, gedateerd 1775 (Kunsthistorisches Museum, Wenen)

In zijn boek De klassieke stijl, auteur en pianist Charles Rosen Beweert dat componisten van 1755 tot 1775 betasten voor een nieuwe stijl die effectiever dramatisch was. In de hoge barokke periode was dramatische expressie beperkt tot de weergave van individu beïnvloeden (de "doctrine van affecties", of wat Rosen "dramatisch sentiment" terechtkomt). Bijvoorbeeld in Hook's Oratorio Jephtha, maakt de componist vier emoties afzonderlijk, één voor elk personage, in het kwartet "O, spaar je dochter". Uiteindelijk werd deze afbeelding van individuele emoties als simplistisch en onrealistisch gezien; Componisten probeerden meerdere emoties te portretteren, tegelijkertijd of geleidelijk, binnen een enkel karakter of beweging ("dramatische actie"). Dus in de finale van Act 2 van Mozart Die entführung aus dem Serail, de geliefden bewegen "van vreugde door achterdocht en verontwaardiging naar de uiteindelijke verzoening."[4]

Muzikaal gesproken vereiste deze "dramatische actie" meer muzikale variëteit. Terwijl barokke muziek werd gekenmerkt door naadloze stroom binnen individuele bewegingen en grotendeels uniforme texturen, probeerden componisten na de hoge barok deze stroom te onderbreken met abrupte veranderingen in textuur, dynamiek, harmonie of tempo. Onder de stilistische ontwikkelingen die volgden op de hoge barok, ontstond de meest dramatische te worden genoemd Empfindsamkeit, (ongeveer "gevoelige stijl"), en de bekendste beoefenaar was Carl Philipp Emanuel Bach. Componisten van deze stijl gebruikten de bovengenoemde onderbrekingen op de meest abrupte manier, en de muziek kan soms onlogisch klinken. De Italiaanse componist Domenico Scarlatti nam deze ontwikkelingen verder. Zijn meer dan vijfhonderd sonates van sonates met één beweging bevatten ook abrupte textuurveranderingen, maar deze veranderingen zijn georganiseerd in periodes, evenwichtige zinnen die een kenmerk werden van de klassieke stijl. Scarlatti's veranderingen in textuur klinken echter nog steeds plotseling en onvoorbereid. De uitstekende prestatie van de grote klassieke componisten (Haydn, Mozart en Beethoven) was hun vermogen om deze dramatische verrassingen logisch gemotiveerd te laten klinken, zodat "de expressieve en de elegante handen kon bundelen."[4]

Tussen de dood van J. S. Bach en de volwassenheid van Haydn en Mozart (ongeveer 1750-1770), experimenteerden componisten met deze nieuwe ideeën, die te zien zijn in de muziek van Bach's zonen. Johann Christian ontwikkelde een stijl die we nu noemen Roccoco, bestaande uit eenvoudigere texturen en harmonieën, en die 'charmant, niet -ramatisch en een beetje leeg' was. Zoals eerder vermeld, probeerde Carl Philipp Emmanuel het drama te vergroten, en zijn muziek was "gewelddadig, expressief, briljant, continu verrassend en vaak onsamenhangend." En uiteindelijk Wilhelm Friedemann, J.S. Bach's oudste zoon, uitgebreide barokke tradities op een idiomatische, onconventionele manier.[5]

In eerste instantie nam de nieuwe stijl barokke vormen over - de ternaire da capo aria, de Sinfonia en de concerto- Maar samengesteld met eenvoudigere delen, meer genoteerde versiering, in plaats van de geïmproviseerde ornamenten die gebruikelijk waren in het barokke tijdperk, en meer nadrukkelijke verdeling van stukken in secties. Na verloop van tijd veroorzaakte de nieuwe esthetiek echter radicale veranderingen in de manier waarop stukken werden samengesteld, en de basisformele lay -outs veranderden. Componisten uit deze periode zochten dramatische effecten, opvallende melodieën en duidelijkere texturen. Een van de grote textuurveranderingen was een verschuiving van het complexe, dicht polyfoon stijl van de barok, waarin meerdere verweven melodische lijnen tegelijkertijd werden gespeeld en naar homofonie, een lichtere textuur die een duidelijke enkele melodielijn gebruikt, vergezeld door akkoorden.

Barokke muziek maakt over het algemeen gebruik van veel harmonische fantasieën en polyfone secties die zich minder richten op de structuur van het muzikale stuk, en er was minder nadruk op duidelijke muzikale zinnen. In de klassieke periode werden de harmonieën eenvoudiger. De structuur van het stuk, de zinnen en kleine melodische of ritmische motieven werden echter veel belangrijker dan in de barokke periode.

Muzio Clementi's Sonata in G Minor, nr. 3, op. 50, "Didone Abbandonata", Adagio Movement

Een andere belangrijke pauze met het verleden was de radicale revisie van opera door Christoph Willibald Gluck, die veel van de gelaagde en improvisatie -ornamenten wegsnijden en zich concentreerden op de punten van modulatie en overgang. Door deze momenten te maken waarop de harmonie meer van een focus verandert, maakte hij krachtige dramatische verschuivingen mogelijk in de emotionele kleur van de muziek. Om deze overgangen te benadrukken, gebruikte hij veranderingen in instrumentatie (orkestratie), melodie en modus. Een van de meest succesvolle componisten van zijn tijd heeft Gluck veel emulators voortgebracht, waaronder Antonio Salieri. Hun nadruk op toegankelijkheid bracht enorme successen in opera en in andere vocale muziek zoals liedjes, oratoria en refreinen. Dit werden beschouwd als de belangrijkste soorten muziek voor prestaties en genoten daarom van het grootste publiek succes.

De fase tussen de barok en de opkomst van het klassieke (rond 1730) was de thuisbasis van verschillende concurrerende muziekstijlen. De diversiteit van artistieke paden wordt vertegenwoordigd in de zonen van Johann Sebastian Bach: Wilhelm Friedemann Bach, die de barokke traditie op een persoonlijke manier voortzette; Johann Christian Bach, die de texturen van de barokke en het meest duidelijk beïnvloedde, Mozart; en Carl Philipp Emanuel Bach, die gepassioneerde en soms gewelddadig excentrieke muziek van de Empfindsamkeit beweging. De muzikale cultuur werd gevangen op een kruispunt: de meesters van de oudere stijl hadden de techniek, maar het publiek hongerde naar het nieuwe. Dit is een van de redenen waarom C. P. E. Bach zo hoog werd gehouden: hij begreep de oudere vormen vrij goed en wist hoe ze ze in nieuw gewaad moest presenteren, met een verbeterde verscheidenheid aan vorm.

1750–1775

Zie ook: Symfonie
Haydn portret door Thomas Hardy, 1792

Tegen het einde van de jaren 1750 waren er bloeiende centra van de nieuwe stijl in Italië, Wenen, Mannheim en Parijs; Tientallen symfonieën werden gecomponeerd en er waren bands van spelers geassocieerd met muzikale theaters. Opera of andere vocale muziek vergezeld door Orchestra was het kenmerk van de meeste muzikale evenementen, met concerten en symfonieën (voortkomend uit de ouverture) dienen als instrumentele intermezzo's en introducties voor opera's en kerkdiensten. In de loop van de klassieke periode ontwikkelden symfonieën en concerten zich onafhankelijk van vocale muziek.

Mozart schreef een aantal divertimentos, lichte instrumentale stukken ontworpen voor entertainment. Dit is de 2e beweging van zijn divertimento in e-flat major, K. 113.

Het "normale" orkestsemble - een lichaam van strijkers Aangevuld met winden - en bewegingen van een bepaald ritmisch karakter werden opgericht tegen de late jaren 1750 in Wenen. De lengte en het gewicht van stukken waren echter nog steeds ingesteld met enkele barokke kenmerken: individuele bewegingen zijn nog steeds gericht op één "affect" (muzikale stemming) of had slechts één scherp contrasterende middelste sectie, en hun lengte was niet significant groter dan barokke bewegingen. Er was nog geen duidelijk uitgewerkte theorie over hoe te componeren in de nieuwe stijl. Het was een moment rijp voor een doorbraak.

De eerste grote meester van de stijl was de componist Joseph Haydn. In de late jaren 1750 begon hij symfonieën samen te stellen, en tegen 1761 had hij een drieluik gecomponeerd (Ochtend, Middag, en Avond) stevig in de hedendaagse modus. Als vice-Kapelmeester en later Kapellmeister, zijn output breidde zich uit: hij componeerde alleen al in de jaren 1760 meer dan veertig symfonieën. En terwijl zijn roem groeide, terwijl zijn orkest werd uitgebreid en zijn composities werden gekopieerd en verspreid, was zijn stem slechts één van de vele.

Hoewel sommige wetenschappers suggereren dat Haydn werd overschaduwd door Mozart en Beethoven, zou het moeilijk zijn om Haydn's centraliteit ten opzichte van de nieuwe stijl te overschatten, en daarom voor de toekomst van westerse kunstmuziek als geheel. Destijds, vóór de voorrang van Mozart of Beethoven, en met Johann Sebastian Bach die voornamelijk bekend staat aan kenners van toetsenbordmuziek, bereikte Haydn een plek in muziek die hem boven alle andere componisten plaatste, behalve misschien het barokke tijdperk George Frideric Handel. Haydn nam bestaande ideeën en veranderde radicaal hoe ze functioneerden - hem de titels 'vader van de symfonie"en" vader van de strijkkwartet".

Een van de krachten die werkte als een impuls voor zijn pers naar voren, was het eerste opwinding van wat later zou worden gebeld Romantiek-de Sturm und drang, of "Storm and Stress" -fase in de kunst, een korte periode waarin duidelijke en dramatische emotionaliteit een stilistische voorkeur was. Haydn wilde dienovereenkomstig meer dramatisch contrast en meer emotioneel aantrekkelijke melodieën, met geslepen karakter en individualiteit in zijn stukken. Deze periode vervaagde in muziek en literatuur: het beïnvloedde echter wat daarna kwam en zou uiteindelijk een onderdeel van de esthetische smaak in latere decennia zijn.

De Afscheidingssymfonie, Nr. 45 in F♯ Minor, is een voorbeeld van de integratie van Haydn van de verschillende eisen van de nieuwe stijl, met verrassende scherpe bochten en een lange langzame aadio om het werk te beëindigen. In 1772 voltooide Haydn zijn Opus 20 -set van zes strijkkwartetten, waarin hij de polyfone technieken die hij uit het vorige barokke tijdperk had verzameld, inzette om structurele coherentie te bieden die in staat was zijn melodische ideeën bij elkaar te houden. Voor sommigen markeert dit het begin van de "volwassen" klassieke stijl, waarin de periode van reactie tegen late barokke complexiteit opleverde aan een periode van integratiebarok en klassieke elementen.

1775–1790

Zie ook: Muziekontwikkeling
Wolfgang Amadeus Mozart, Postumous Painting van Barbara Krafft in 1819

Haydn, die meer dan tien jaar had gewerkt als muziekregisseur voor een prins, had veel meer middelen en ruimte voor het componeren dan de meeste andere componisten. Zijn positie gaf hem ook het vermogen om de krachten vorm te geven die zijn muziek zouden spelen, omdat hij bekwame muzikanten kon selecteren. Deze kans werd niet verspild, omdat Haydn, die vrij vroeg op zijn carrière begon, de techniek van het opbouwen en ontwikkelen van ideeën in zijn muziek wilde voortzetten. Zijn volgende belangrijke doorbraak was in de Opus 33 String Quartets (1781), waarin de melodische en de harmonische rollen onder de instrumenten worden ondergaan: het is vaak tijdelijk onduidelijk wat melodie is en wat harmonie is. Dit verandert de manier waarop het ensemble zich een weg baant tussen dramatische momenten van overgang en klimatologische secties: de muziek stroomt soepel en zonder duidelijke onderbreking. Vervolgens nam hij deze geïntegreerde stijl en begon het toe te passen op orkestrale en vocale muziek.

De openingsstaven van de Aria van de Commendatore in Mozart's Opera Don Giovanni. Het orkest begint met een dissonant Verminderde zevende akkoord (g# dim7 met een B in de bas) bewegen naar een Dominant zevende akkoord (A7 met een C# in de bas) voordat u opgelost naar de tonic akkoord (D Minor) Bij de ingang van de zanger.

Het geschenk van Haydn aan muziek was een manier om samen te werken, een manier om werken te structureren, die tegelijkertijd in overeenstemming was met de regerende esthetiek van de nieuwe stijl. Echter, een jongere hedendaagse, Wolfgang Amadeus Mozart, bracht zijn genius op de ideeën van Haydn en paste ze toe op twee van de belangrijkste genres van de dag: Opera en het virtuoso -concert. Terwijl Haydn een groot deel van zijn werkende leven doorbracht als rechtbankcomponist, wilde Mozart publiek succes in het concertleven van steden, spelen voor het grote publiek. Dit betekende dat hij opera's moest schrijven en virtuoze stukken moest schrijven en uit te voeren. Haydn was geen virtuoos op het internationale tourniveau; Noch wilde hij operische werken maken die vele nachten voor een groot publiek konden spelen. Mozart wilde beide bereiken. Bovendien had Mozart ook een voorliefde voor meer chromatische akkoorden (en grotere contrasten in harmonische taal in het algemeen), een grotere liefde voor het creëren van een weller van melodieën in één werk, en een meer Italiaanse gevoeligheid in muziek als geheel. Hij vond, in Haydn's muziek en later in zijn studie van de polyfonie van J.S. Bach, de middelen om zijn artistieke geschenken te disciplineren en te verrijken.

De familie Mozart c. 1780. Het portret aan de muur is van de moeder van Mozart.

Mozart kwam snel onder de aandacht van Haydn, die de nieuwe componist begroette, zijn werken bestudeerde en de jongere man als zijn enige echte peer in muziek beschouwde. In Mozart vond Haydn een groter bereik van instrumentatie, dramatisch effect en melodische hulpbronnen. De leerrelatie bewoog in beide richtingen. Mozart had ook een groot respect voor de oudere, meer ervaren componist en probeerde van hem te leren.

De aankomst van Mozart in Wenen in 1780 bracht een versnelling in de ontwikkeling van de klassieke stijl. Daar absorbeerde Mozart de fusie van Italiaanse schittering en Germaanse samenhang die de afgelopen 20 jaar aan het brouwen was. Zijn eigen smaak voor flitsende brilliances, ritmisch complexe melodieën en figuren, lang Cantilena Melodieën en virtuoze bloeien werd samengevoegd met een waardering voor formele samenhang en interne verbondenheid. Het is op dit punt dat oorlog en economische inflatie een trend voor grotere orkesten stopten en de ontbinding of vermindering van veel theaterorkesten dwongen. Dit drukte op de klassieke stijl naar binnen: naar het zoeken naar grotere ensemble en technische uitdagingen - bijvoorbeeld het verspreiden van de melodie over houtblazers of het gebruik van een melodie geharmoniseerd in derden. Dit proces plaatste een premium op kleine ensemble -muziek, genaamd Chamber Music. Het leidde ook tot een trend voor meer openbare prestaties, waardoor het strijkkwartet en andere kleine ensemble -groeperingen een verdere boost waren.

Het was in dit decennium dat de publieke smaak in toenemende mate begon te erkennen dat Haydn en Mozart een hoge standaard van compositie hadden bereikt. Tegen de tijd dat Mozart op 25 -jarige leeftijd arriveerde, in 1781, waren de dominante stijlen van Wenen herkenbaar verbonden met de opkomst in de jaren 1750 van de vroege klassieke stijl. Tegen het einde van de jaren 1780, veranderingen in prestatiepraktijk, de relatieve status van instrumentale en vocale muziek, technische eisen aan muzikanten en stilistische eenheid was gevestigd in de componisten die Mozart en Haydn imiteerden. Tijdens dit decennium componeerde Mozart zijn beroemdste opera's, zijn zes late symfonieën die hebben geholpen het genre opnieuw te definiëren, en een reeks pianoconcerti die nog steeds op het hoogtepunt van deze vormen staat.

Een componist die invloed had op het verspreiden van de meer serieuze stijl die Mozart en Haydn hadden gevormd, is Muzio Clementi, een begaafde virtuo -pianist die met Mozart in een musical "duel" bond voor de keizer waarin ze elk op de piano improviseerden en hun composities uitvoerden. Clementi's sonates voor de piano circuleerde breed, en hij werd de meest succesvolle componist in Londen in de jaren 1780. Ook in Londen was op dit moment Jan Ladislav Dussek, die, net als Clementi, piano -makers aanmoedigde om het bereik en andere kenmerken van hun instrumenten uit te breiden en vervolgens de nieuw geopende mogelijkheden volledig gebruikte. Het belang van Londen in de klassieke periode wordt vaak over het hoofd gezien, maar het diende als de thuisbasis van de Broadwood's Fabriek voor piano -productie en als basis voor componisten die, hoewel minder opmerkelijk dan de "Wenen School", een beslissende invloed hadden op wat later kwam. Ze waren componisten van vele mooie werken, op zichzelf opmerkelijk. De smaak van Londen voor virtuositeit heeft misschien wel het complexe doorgangswerk en uitgebreide uitspraken over tonic en dominant aangemoedigd.

Rond 1790–1820

Toen Haydn en Mozart begonnen te componeren, werden symfonieën gespeeld als enkele bewegingen - voor, tussen of als intermezzo binnen andere werken - en velen van hen duurden slechts tien of twaalf minuten; Instrumentale groepen hadden verschillende speelnormen en de continuo was een centraal onderdeel van het maken van muziek.

In de tussenliggende jaren had de sociale wereld van muziek dramatische veranderingen gezien. Internationale publicatie en touring waren explosief gegroeid en concertverenigingen zijn gevormd. Notatie werd specifieker, meer beschrijvend - en schema's voor werken waren vereenvoudigd (maar werd meer gevarieerd in hun exacte training). In 1790, net voor de dood van Mozart, met zijn reputatie zich snel verspreidde, was Haydn klaar voor een reeks successen, met name zijn late oratoriums en London Symphonies. Componisten in Parijs, Rome en overal in Duitsland wendden zich tot Haydn en Mozart voor hun ideeën over vorm.

Portret van Beethoven door Joseph Karl Stieler, 1820

In de jaren 1790 ontstond er een nieuwe generatie componisten, geboren rond 1770,. Hoewel ze waren opgegroeid met de eerdere stijlen, hoorden ze in de recente werken van Haydn en Mozart een voertuig voor meer expressie. In 1788 Luigi Cherubini gevestigd in Parijs en in 1791 samengesteld Lodoiska, een opera die hem tot roem bracht. De stijl is duidelijk een weerspiegeling van de volwassen Haydn en Mozart, en de instrumentatie gaf het een gewicht dat nog niet was gevoeld in de grote opera. Zijn tijdgenoot Étienne Méhul Uitgebreide instrumentele effecten met zijn opera uit 1790 Euphrosine et coradin, waaruit een reeks successen volgde. De laatste push naar verandering kwam van Gaspare spontini, die diep werd bewonderd door toekomstige romantische componisten zoals Weber, Berlioz en Wagner. De innovatieve harmonische taal van zijn opera's, hun verfijnde instrumentatie en hun "ingekleurde" gesloten cijfers (een structureel patroon dat later door Weber werd overgenomen in Euryanthe en van hem overgedragen door Marschner, aan Wagner), vormden de basis van welke Franse Duitse romantische opera had zijn begin.

Hummel in 1814

De meest noodlottige van de nieuwe generatie was Ludwig van Beethoven, die zijn genummerde werken in 1794 lanceerde met een set van drie pianotrios, die in het repertoire blijven. Enigszins jonger dan de anderen, hoewel even volbracht vanwege zijn jeugdige studie onder Mozart en zijn inheemse virtuositeit, was Johann Nepomuk Hummel. Hummel studeerde ook onder Haydn; Hij was een vriend van Beethoven en Franz Schubert. Hij concentreerde zich meer op de piano dan enig ander instrument, en zijn tijd in Londen in 1791 en 1792 genereerde de compositie en publicatie in 1793 van drie piano sonates, Opus 2, die idiomatisch de technieken van Mozart gebruikte om de verwachte cadans te vermijden, en de soms modaal van Clementi onzekere virtuoze figuratie. Al met al kunnen deze componisten worden gezien als de voorhoede van een brede verandering in stijl en het centrum van muziek. Ze bestudeerden elkaars werken, kopieerden elkaars gebaren in muziek en gedroegen zich af en toe als ruzie.

De cruciale verschillen met de vorige golf zijn te zien in de neerwaartse verschuiving in melodieën, waardoor de duur van bewegingen, de acceptatie van Mozart en Haydn als paradigmatisch, het grotere gebruik van toetsenbordbronnen, de verschuiving van "vocaal" schrijven naar "pianistisch" schrijven, toenemen , de groeiende aantrekkingskracht van de minderjarige en van modale dubbelzinnigheid, en het toenemende belang van verschillende bijbehorende figuren om "textuur" vooruit te brengen als een element in muziek. Kortom, The Late Classical was op zoek naar muziek die intern complexer was. De groei van concertverenigingen en amateurorkesten, die het belang van muziek markeerden als onderdeel van het middenklasse-leven, droeg bij aan een bloeiende markt voor piano's, pianomuziek en virtuosi om als exemplaren te dienen. Hummel, Beethoven en Clementi stonden allemaal bekend om hun improvisatie.

De directe invloed van de barok bleef vervagen: de figured bas werd minder prominent als een middel om prestaties bij elkaar te houden, de prestatiepraktijken van het midden van de 18e eeuw bleven uitsterven. Tegelijkertijd begonnen echter complete edities van barokke meesters beschikbaar te komen en de invloed van barokstijl bleef groeien, met name in het steeds uitgebreidere gebruik van messing. Een ander kenmerk van de periode is het groeiende aantal uitvoeringen waarbij de componist niet aanwezig was. Dit leidde tot verhoogde details en specificiteit in notatie; Er waren bijvoorbeeld minder "optionele" onderdelen die afzonderlijk van de hoofdscore stonden.

De kracht van deze verschuivingen werd duidelijk met de 3e symfonie van Beethoven, gezien de naam Eroica, die Italiaans is voor "heroïsch", door de componist. Zoals bij Stravinsky Het lenteritueel, het was misschien niet de eerste in al zijn innovaties, maar het agressieve gebruik van elk deel van de klassieke stijl onderscheidde het van zijn eigentijdse werken: in lengte, ambitie en harmonische bronnen ook.

Eerste Weense school

View of Wenen in 1758, door Bernardo Bellotto

De Eerste Weense school is een naam die meestal wordt gebruikt om te verwijzen naar drie componisten uit de klassieke periode in de late 18e-eeuwse Wenen: Haydn, Mozart en Beethoven. Franz Schubert wordt af en toe aan de lijst toegevoegd.

In Duitse sprekende landen, de term Wiener Klassik (Lit. Weense klassieke tijdperk/kunst) is gebruikt. Die term wordt vaak breder wordt toegepast op het klassieke tijdperk in de muziek als geheel, als een middel om het te onderscheiden van andere perioden die in de volksmond worden aangeduid als klassiek, namelijk Barok en Romantische muziek.

De term "Weense school" werd voor het eerst gebruikt door de Oostenrijkse muziekoloog Raphael Georg Kiewetter in 1834, hoewel hij Haydn en Mozart alleen als leden van de school telde. Andere schrijvers volgden het voorbeeld en uiteindelijk werd Beethoven aan de lijst toegevoegd.[6] De aanduiding "eerste" wordt vandaag toegevoegd om verwarring met de Tweede Weense school.

Hoewel Schubert uit elkaar, kenden deze componisten elkaar zeker (met Haydn en Mozart zelfs incidentele kamer-muziekpartners), is er geen zin waarin ze zich bezighouden met een samenwerkingsinspanning in de zin dat men zou associëren met de 20e eeuw scholen zoals de tweede Weense school, of Les zes. Er is ook geen belangrijk gevoel waarin de ene componist door een andere werd "geschoold" (op de manier waarop Berg en Webern werden onderwezen door Schoenberg), hoewel het waar is dat Beethoven een tijd lang lessen van Haydn heeft ontvangen.

Pogingen om de eerste Weense school uit te breiden om zulke latere cijfers op te nemen als Anton Bruckner, Johannes Brahms, en Gustav Mahler zijn slechts journalistiek en zijn nooit tegengekomen in academische muziek.

Klassieke invloed op latere componisten

Zie ook: Tonaliteit en Overgang van klassieke naar romantische muziek
1875 olieverfschilderij van Franz Schubert door Wilhelm August Rieder, na zijn eigen waterverfportret uit 1825

Muzikale tijdperken en hun heersende stijlen, vormen en instrumenten verdwijnen zelden tegelijk; In plaats daarvan worden functies in de loop van de tijd vervangen, totdat de oude aanpak gewoon als "ouderwets" wordt gevoeld. De klassieke stijl "stierf" niet plotseling; Het werd eerder geleidelijk afgebouwd onder het gewicht van veranderingen. Om slechts één voorbeeld te geven, terwijl in het algemeen wordt gezegd dat het klassieke tijdperk stopte met het gebruik van de klavecimbel In orkesten gebeurde dit niet plotseling aan het begin van het klassieke tijdperk in 1750. In plaats daarvan stopten orkesten langzaam met behulp van het klavecimbel om te spelen basso continuo totdat de praktijk werd stopgezet tegen het einde van de jaren 1700.

Felix Mendelssohn
Portret van Mendelssohn door James Warren Childe, 1839

Een cruciale verandering was de verschuiving naar harmonieën die zich richten op "flatward" -toetsen: verschuivingen in de subdominant richting[verduidelijking nodig]. In de klassieke stijl kwam de grote sleutel veel vaker voor dan klein, waarbij het chromaticisme werd gemodereerd door het gebruik van "scherpe" modulatie (bijvoorbeeld een stuk in C Major Modulatie naar G Major, D Major, of een major, die allemaal sleutels zijn met meer scherpe tonen). Ook werden secties in de kleine modus vaak gebruikt voor contrast. Beginnend met Mozart en Clementi, begon er een kruipende kolonisatie van het subdominante gebied (het II- of IV -akkoord, dat in de sleutel van C majeur de sleutels van D mineur of f majeur zou zijn). Met Schubert bloeiden Subdominant -modulaties na te zijn geïntroduceerd in contexten waarin eerdere componisten zich zouden hebben beperkt tot dominante verschuivingen (modulaties aan de dominant akkoord, bijv. In de sleutel van C majeur, modulerend naar G majeur). Dit introduceerde donkere kleuren in muziek, versterkte de kleine modus en maakte de structuur moeilijker te onderhouden. Beethoven heeft hieraan bijgedragen door zijn toenemende gebruik van de vierde als een consonantie, en modale dubbelzinnigheid - bijvoorbeeld de opening van de Symfonie nr. 9 in D minor.

Ludwig van Beethoven, Franz Schubert, Carl Maria von Weber, en John Field behoren tot de meest prominente in deze generatie "proto-romantics", samen met de jongeren Felix Mendelssohn. Hun gevoel voor vorm werd sterk beïnvloed door de klassieke stijl. Hoewel ze nog geen "geleerde" componisten waren (regels die door anderen werden gecodificeerd), reageerden ze rechtstreeks op werken van Haydn, Mozart, Clementi en anderen, toen ze ze tegenkwamen. De instrumentale krachten tot hun beschikking in orkesten waren ook vrij "klassiek" in aantal en variëteit, waardoor gelijkenis met klassieke werken mogelijk was.

De krachten die bestemd zijn om het greep van de klassieke stijl te beëindigen, verzamelden echter kracht in de werken van veel van de bovenstaande componisten, met name Beethoven. De meest genoemde is harmonische innovatie. Ook belangrijk is de toenemende focus op het hebben van een continue en ritmisch uniforme begeleidende figuratie: Beethoven's Moonlight Sonata Was het model voor honderden latere stukken - waar de veranderende beweging van een ritmische figuur veel van het drama en de interesse van het werk biedt, terwijl een melodie erboven drijft. Grotere kennis van werken, grotere instrumentale expertise, toenemende verscheidenheid aan instrumenten, de groei van concertverenigingen en de niet te stoppen dominantie van de steeds krachtigere piano (die een moediger, luidere toon kreeg door technologische ontwikkelingen zoals het gebruik van stalen strings, Zware gietijzeren frames en sympathiek trillende snaren) creëerden allemaal een enorm publiek voor verfijnde muziek. Al deze trends hebben bijgedragen aan de Verschuiving naar de "romantische" stijl.

De grens tussen deze twee stijlen trekken is erg moeilijk: sommige secties van Mozart's latere werken, alleen genomen, zijn niet te onderscheiden in harmonie en orkestratie van muziek die 80 jaar later is geschreven - en sommige componisten bleven in normatieve klassieke stijlen schrijven in de vroege 20e eeuw. Zelfs vóór de dood van Beethoven, componisten zoals Louis Spohr waren zichzelf beschreven romantici, met bijvoorbeeld extravagant chromaticisme in hun werken (bijvoorbeeld het gebruik van chromatische harmonieën in een stuk akkoordprogressie). Omgekeerd werken werken zoals Schubert's Symphony nr. 5, geschreven tijdens het chronologische einde van het klassieke tijdperk en het begin van de Romantisch ERA, vertoon een opzettelijk anachronistisch artistiek paradigma, dat teruggaat naar de compositorische stijl van enkele decennia eerder.

De val van Wenen als het belangrijkste muzikale centrum voor orkestrale compositie in de late jaren 1820, neergeslagen door de dood van Beethoven en Schubert, markeerde de laatste eclips van de klassieke stijl - en het einde van zijn continue organische ontwikkeling van één componist leren in de nabijheid van anderen. Franz Liszt en Frederik Chopin Bezocht Wenen toen ze jong waren, maar ze gingen toen verder naar andere steden. Componisten zoals Carl Czerny, hoewel diep beïnvloed door Beethoven, ook gezocht naar nieuwe ideeën en nieuwe vormen om de grotere wereld van muzikale expressie en uitvoering te bevatten waarin ze leefden.

Hernieuwde belangstelling voor het formele evenwicht en de terughoudendheid van de klassieke muziek van de 18e eeuw leidde in het begin van de 20e eeuw tot de ontwikkeling van zogenaamde Neoklassiek stijl, die genummerd Stravinsky en Prokofjev onder de voorstanders, althans op bepaalde momenten in hun carrière.

Klassieke periode -instrumenten

Fortepiano door Paul McNulty After Walter & Sohn, c. 1805
Zie ook: Lijst met periode -instrumenten

Gitaar

De barokke gitaar, met vier of vijf sets dubbele snaren of "cursussen" en uitgebreid versierd soundgat, was een heel ander instrument uit de vroege klassieke gitaar die meer op het moderne instrument lijken met de standaard zes snaren. Afgaande op het aantal instructiehandleidingen gepubliceerd voor het instrument - meer dan driehonderd teksten werden gepubliceerd door meer dan tweehonderd auteurs tussen 1760 en 1860 - markeerde de klassieke periode een gouden eeuw voor gitaar.[7]

Strijkers

In het barokke tijdperk was er meer variatie in de gebowed snaarinstrumenten die in ensembles werden gebruikt, met instrumenten zoals de Viola d'Amore en een reeks fretted viool Gebruikt, variërend van kleine viools tot grote bas viools. In de klassieke periode, de strijksectie van het orkest werd gestandaardiseerd als slechts vier instrumenten:

  • Viool (In orkesten en kamermuziek zijn er meestal eerste violen en tweede violen, waarbij de eerste de melodie speelt en/of een hogere lijn en de laatste een tegenmelodie speelt, een harmonie -gedeelte, een deel onder de eerste vioollijn in het veld, of een begeleidingslijn)
  • Altviool ) harmonie van het stuk)
  • Cello (De cello speelt twee rollen in de muziek van de klassieke tijdperk; soms wordt het gebruikt om de baslijn van het stuk, meestal verdubbeld door de dubbele bassen [Opmerking: wanneer cello's en dubbele bassen dezelfde baslijn lezen, spelen de bassen een octaaf onder de cello's, omdat de bas een transponerend instrument is]; En op andere momenten voert het melodieën en solo's uit in het lagere register)
  • Dubbele bas (De bas voert doorgaans de laagste toonhoogtes uit in het stringsectie om de baslijn voor het stuk te bieden)

In het barokke tijdperk kregen de Double Bass -spelers meestal geen apart deel; In plaats daarvan speelden ze meestal hetzelfde basso continuo baslijn dat de cello's en andere lage instrumenten (bijv. theorbo, slang wind instrument, viool), zij het een octaaf onder de cello's, omdat de dubbele bas een transponerend instrument is dat één octaaf lager klinkt dan het is geschreven. In het klassieke tijdperk bleven sommige componisten slechts één basgedeelte schrijven voor hun symfonie, met het label "Bassi"; Dit basgedeelte werd gespeeld door cellisten en dubbele bassisten. Tijdens het klassieke tijdperk begonnen sommige componisten de dubbele bassen hun eigen deel te geven.

Houtblazers

Het was gebruikelijk dat alle orkesten minstens 2 wind, meestal hobo's, fluiten, klarinetten of soms Engelse hoorns hebben (zie Symphony No. 22 (Haydn). Klanten gebruikten meestal ook een ensemble van volledig winden, genaamd de harmonie, die voor bepaalde evenementen zou worden gebruikt. De harmonie zou soms lid worden van het grotere strijkorkest om te dienen als het windgedeelte.

Percussie

Toetsenborden

  • Clavichord
  • Fortepiano (de voorloper van de moderne piano)
  • Klavecimbel, het standaard barokke tijdperk basso continuo toetsenbordinstrument, werd tot de jaren 1750 gebruikt, waarna het geleidelijk werd afgebouwd en vervangen door de Fortepiano en dan de piano. Tegen het begin van de 19e eeuw werd het klavecimbel niet langer gebruikt.
  • Orgaan

Messing

Zie ook

Aantekeningen

  1. ^ Burton, Anthony (2002). Een artiesticht voor de muziek van de klassieke periode. Londen: Associated Board of the Royal Schools of Music. p. 3. ISBN 978-1-86096-1939.
  2. ^ a b Blume, Friedrich. Klassieke en romantische muziek: een uitgebreide enquête. New York: W. W. Norton, 1970
  3. ^ a b c Kamien, Roger. Muziek: een waardering. 6e. New York: McGraw Hill, 2008. Print.
  4. ^ a b Rosen, Charles. De klassieke stijl, pp. 43–44. New York: W. W. Norton & Company, 1998
  5. ^ Rosen, Charles. De klassieke stijl, pp. 44. New York: W. W. Norton & Company, 1998
  6. ^ Heartz, Daniel & Brown, Bruce Alan (2001). "Klassiek". In Sadie, Stanley & Tyrrell, John (eds.). The New Grove Dictionary of Music and Musicians (2e ed.). Londen: Macmillan. ISBN 978-1-56159-239-5.‎
  7. ^ StenstadVold, Erik. Een geannoteerde bibliografie van gitaarmethoden, 1760–1860 (Hillsdale, New York: Pendragon Press, 2010), XI.

Verder lezen

Externe links