Barokke muziek

Schilderen door Evaristo Baschenis van Barokke instrumenten, inclusief een cittern, maakten vijf- of zes-snarige cello, viool en twee lutes pikte

Barokke muziek (Uk: /bəˈrɒk/ of ONS: /bəˈroʊk/) verwijst naar de periode of dominante stijl van Westerse klassieke muziek samengesteld van ongeveer 1600 tot 1750.[1] De barokke stijl volgde de Renaissance -periode, en werd op zijn beurt gevolgd door de Klassieke periode Na een korte overgang, de Galant -stijl.De barokke periode is verdeeld in drie grote fasen: vroeg, midden en laat.Overlappend in de tijd zijn ze conventioneel gedateerd van 1580 tot 1650, van 1630 tot 1700 en van 1680 tot 1750. Barokke muziek vormt een groot deel van de "klassieke muziek" canon, en wordt nu veel bestudeerd, uitgevoerd en geluisterd.De voorwaarde "barok-"Komt uit het Portugese woord barroco, betekenis "misvormde parel".[2] Het werk van George Frideric Handel en Johann Sebastian Bach worden beschouwd als het hoogtepunt van de barokperiode.Belangrijke componisten van het barokke tijdperk zijn, inclusief, Claudio Monteverdi, Domenico Scarlatti, Alessandro Scarlatti, Antonio Vivaldi, Henry Purcell, Georg Philipp Telemann, Jean-Baptiste Lully, Jean-Philippe Rameau, Marc-Antoine Charpentier, Arcangelo Corelli, François couperin, Heinrich Schütz, Dieterich Buxtehude, en anderen.

De barok zag de oprichting van gemeenschappelijke praktijk tonaliteit, een benadering van het schrijven van muziek waarin een nummer of stuk is geschreven in een bepaald sleutel;dit soort harmonie is nog steeds veelvuldig gebruikt in het westerse klassieke en populaire muziek.Tijdens het barokke tijdperk werd van professionele muzikanten verwacht dat ze worden bereikt improvisatoren van beide solo melodische lijnen en begeleiding onderdelen.Barokke concerten werden meestal vergezeld door een basso continuo Groep (bestaande uit akkoord-spelende instrumentalisten zoals zoals Harpsichordisten en luit spelers improviseren akkoorden van een figured bas deel) terwijl een groep basinstrumenten -viool, cello, dubbele bas- Speelde de baslijn.Een karakteristieke barokke vorm was de danssuite.Terwijl de stukken in een danssuite werden geïnspireerd door echte dansmuziek, werden danssuites puur ontworpen om te luisteren, niet voor bijbehorende dansers.

Tijdens de periode experimenteerden componisten met het vinden van een voller geluid voor elk instrumentaal deel (dus het creëren van het orkest),[2] wijzigingen aangebracht in muzikale notatie (de ontwikkeling van Figured Bass als een snelle manier om de akkoordprogressie van een nummer of stuk), en ontwikkelde nieuwe instrumentale speeltechnieken.Barokke muziek breidde de grootte, het bereik en de complexiteit van instrumentale prestaties uit en vestigde ook de gemengde vocale/instrumentale vormen van opera, cantate en oratorium en de instrumentale vormen van de solo concerto en sonate als muzikale genres.Dicht, complex polyfoon Muziek, waarin meerdere onafhankelijke melodielijnen tegelijkertijd werden uitgevoerd (een populair voorbeeld hiervan is de fuga), was een belangrijk onderdeel van veel barokke koor- en instrumentale werken.Over het algemeen was barokke muziek een hulpmiddel voor expressie en communicatie.[1]

Etymologie en definitie

Johann Sebastian Bach, 1748

De etymologie van barok- is waarschijnlijk via de Fransen barok- (die oorspronkelijk een parel van onregelmatige vorm betekende), en van de Portugees barroco ("onregelmatige parel");ook gerelateerd zijn de Spaans Barrueco en de Italiaans Barocco. De term is van onzekere ultieme oorsprong, maar mogelijk van Latijns Verrūca ("wrat") of mogelijk van Baroco, een technische term van scholastische logica.[3]

De term "barok" wordt over het algemeen gebruikt door muziekhistorici om een breed scala aan stijlen uit een brede geografische regio te beschrijven, meestal in Europa, samengesteld over een periode van ongeveer 150 jaar.[1] Hoewel het lang werd gedacht dat het woord als een kritische term voor het eerst werd toegepast op de architectuur, verschijnt het in feite eerder in verwijzing naar muziek, in een anonieme, satirische beoordeling van de première in oktober 1733 van Rameau's Hippolyte et aricie, gedrukt in de Mercure de France In mei 1734. De criticus impliceerde dat de nieuwigheid in deze opera "Du Barocque" was en klaagde dat de muziek coherente melodie ontbrak, gevuld was met niet -aflatende dissonanties, voortdurend veranderde sleutel en meter en snel door elk compositorisch apparaat liep.[4]

Jean-Jacques Rousseau, die muzikant en componist was, evenals filosoof, schreef in 1768 in de Encyclopédie: "Barokke muziek is dat waarin de harmonie in de war is en geladen met modulaties en dissonanties. Het zingen is hard en onnatuurlijk, de intonatie moeilijk en de beweging beperkt. Het lijkt erop dat de term afkomstig is van het woord 'baroco' die door logici's wordt gebruikt. "[5] Rousseau verwees naar de filosofische term baroco, in gebruik sinds de 13e eeuw om een soort uitgebreide en, voor sommigen, onnodig gecompliceerd academisch argument te beschrijven.[6][7]

De systematische toepassing door historici van de term "barok" op muziek van deze periode is een relatief recente ontwikkeling.In 1919, Curt Sachs werd de eerste die de vijf kenmerken van toepaste Heinrich WölfflinDe theorie van de barok systematisch naar muziek.[8] Critici kwamen echter snel in twijfel te trekken over de poging om de categorieën van Wölfflin naar muziek te transponeren, en in het tweede kwartaal van de 20e -eeuwse onafhankelijke pogingen werden gedaan door Manfred Bukofzer (in Duitsland en, na zijn immigratie, in Amerika) en door Suzanne Clercx-Ljeune (in België) om autonome, technische analyse te gebruiken in plaats van vergelijkende abstracties, om de aanpassing van theorieën te voorkomen op basis van de beeldende kunst en literatuur voor muziek.Al deze inspanningen resulteerden in een aanzienlijk meningsverschil over tijdgrenzen van de periode, vooral wat het begon.In het Engels verwierf de term alleen in de jaren veertig valuta, in de geschriften van Bukofzer en Paul Henry Lang.[1]

Al in 1960 was er nog steeds een aanzienlijk geschil in academische kringen, met name in Frankrijk en Groot -Brittannië, of het zinvol was om muziek zo divers samen te voegen als die van Jacopo Peri, Domenico Scarlatti, en Johann Sebastian Bach onder een enkele rubriek.Desalniettemin is de term op grote schaal gebruikt en geaccepteerd voor dit brede muziekbereik.[1] Het kan nuttig zijn om de barok te onderscheiden van beide voorgaande (Renaissance) en volgende (Klassiek) Perioden van muzikale geschiedenis.

Geschiedenis

Gedurende het barokke tijdperk zijn nieuwe ontwikkelingen in muziek in Italië afkomstig, waarna het tot 20 jaar duurde voordat ze in de rest van de Westerse klassieke muziek oefening.Bijvoorbeeld, Italiaanse componisten schakelden over naar de Galant -stijl rond 1730, terwijl Duitse componisten zoals Johann Sebastian Bach Grotendeels bleef schrijven in de barokke stijl tot 1750.[9][10]

Fasen van barokke muziek[9][10]
Subperiode Tijd In Italië Ergens anders
Vroege barok 1580–1650
Middenbarok 1630–1700
Laat barok 1680–1750

Vroege barokke muziek (1580–1650)

Verdere informatie: Overgang van Renaissance naar Baroque in instrumentale muziek
Claudio Monteverdi in 1640

De Florentijnse camerata was een groep humanisten, muzikanten, dichters en intellectuelen in de late Renaissance Florence die zich verzamelde onder het beschermheerschap van graaf Giovanni de 'Bardi om trends in de kunst te bespreken en te begeleiden, vooral muziek en drama.In verwijzing naar muziek baseerden ze hun idealen op een perceptie van klassiek (vooral oud Grieks) muzikaal drama dat een waarde van discours en oratie waardeerde.[11] Dienovereenkomstig verwierpen zij het gebruik van hun tijdgenoten van polyfonie (Meerdere, onafhankelijke melodische lijnen) en instrumentale muziek, en besprak zulke oude Griekse muziekapparaten als monodie, die bestond uit een solo -zang vergezeld van een kithara (Een oud getrokte snaarinstrument).[12] De vroege realisaties van deze ideeën, inclusief Jacopo Peri's Dafne en L'Uridice, het begin van de opera gemarkeerd,[13] Dat was een katalysator voor barokke muziek.[14]

Betreffende muziektheorie, het wijdverspreide gebruik van figured bas (ook gekend als grondige bas) vertegenwoordigt het zich ontwikkelende belang van harmonie als de lineaire onderbouwing van polyfonie.[15] Harmonie is het eindresultaat van contrapunt, en figured bass is een visuele weergave van die harmonieën die vaak worden gebruikt in muzikale uitvoering.Met afgestudeerde bas, getallen, toevallige of symbolen werden boven de baslijn dat werd gelezen door toetsenbordinstrument Spelers zoals klavecimbel Spelers of pijporganisten (of lutenisten).De cijfers, toevallige of symbolen aangegeven aan de toetsenspeler welke intervallen boven elke basnota moeten worden gespeeld.De toetsenbordspeler zou dat doen improviseren a akkoord stemmen Voor elke basnota.[16] Componisten begonnen met zichzelf met zich mee Harmonische progressies,[17] en werkte ook de tritone, gezien als een onstabiel interval,[18] om dissonantie te creëren (het werd gebruikt in de Dominante zevende akkoord en de verminderd akkoord).Een interesse in harmonie bestond ook bij bepaalde componisten in de Renaissance, met name Carlo Gesualdo;[19] Het gebruik van harmonie gericht op tonaliteit (een focus op een musical sleutel dat wordt de "thuisnoot" van een stuk), in plaats van modaliteit, markeert de verschuiving van de renaissance naar de barokke periode.[20] Dit leidde tot het idee dat bepaalde reeksen akkoorden, in plaats van alleen notities, een gevoel van konden geven sluiting aan het einde van een stuk- Een van de fundamentele ideeën die bekend werden als tonaliteit.

Door deze nieuwe aspecten van compositie op te nemen, Claudio Monteverdi Verder bracht de overgang van de Renaissance -stijl van muziek naar die van de barokperiode.Hij ontwikkelde twee individuele samenstellingsstijlen - het erfgoed van de Polyfonie van Renaissance (Prima Pratica) en het nieuwe basso continuo Techniek van de barok (Seconda Pratica).Met Basso Continuo zou een kleine groep muzikanten de baslijn en de akkoorden die de begeleiding vormden voor een melodie.De Basso Continuo -groep gebruikt meestal een of meer toetsenbordspelers en een luit Speler die de baslijn zou spelen en de akkoorden en verschillende basinstrumenten zou improviseren (bijv. Bass Viola, cello, dubbele bas) die de baslijn zou spelen.Met het schrijven van de opera's L'Orfeo en L'Coronazione di Poppea Monteverdi heeft onder andere veel aandacht besteed aan dit nieuwe genre.[21] Deze Venetiaanse stijl werd handig naar Duitsland gebracht door Heinrich Schütz, wiens diverse stijl ook evolueerde naar de daaropvolgende periode.

Idiomatische instrumentale texturen werden steeds prominenter.In het bijzonder de stijl Luthé—De onregelmatige en onvoorspelbare uiteenvallen van chordale progressies, in tegenstelling tot de reguliere patronen van gebroken akkoorden - bedroeg sinds het begin van de 20e eeuw als Style Brisé, werd opgericht als een consistente textuur in de Franse muziek door Robert Ballard,[22][23] in zijn luitboeken van 1611 en 1614, en door Ennemond Gaultier.[24] Deze idiomatische luitfiguratie werd later overgebracht naar het klavecimbel, bijvoorbeeld in de toetsenbordmuziek van Louis Couperin en Jean-Henri d'Agleerbt, en bleef een belangrijke invloed op toetsenbordmuziek gedurende de 18e en vroege 19e eeuw (in bijvoorbeeld de muziek van Johann Sebastian Bach en Frederik Chopin).[23]

Middenbarokke muziek (1630–1700)

De opkomst van het gecentraliseerde hof is een van de economische en politieke kenmerken van wat vaak wordt bestempeld Leeftijd van absolutisme, gepersonifieerd door Louis XIV van Frankrijk.De stijl van het paleis en het gerechtssysteem van manieren en kunst die hij bevorderde, werd het model voor de rest van Europa.De realiteit van de stijgende kerk- en staatspatronage creëerde de vraag naar georganiseerde publieke muziek, omdat de toenemende beschikbaarheid van instrumenten de vraag naar oprichting kamermuziek, wat muziek is voor een klein ensemble van instrumentalisten.[25]

Jean-Baptiste Lully door Paul Mignard

Een vooraanstaand voorbeeld van een componist in de rechtbankstijl is Jean-Baptiste Lully.Hij kocht patenten van de monarchie om de enige componist van Operas voor de Franse koning te zijn en te voorkomen dat anderen opera's hebben opgevoerd.Hij voltooide 15 lyrische tragedies en bleef onvoltooid Achille et Polyxène.[26] Lully was een vroeg voorbeeld van een geleider;Hij zou de tijd verslaan met een grote staf om zijn ensembles bij elkaar te houden.

Muzikaal stelde hij de door snaar gedomineerde norm niet vast voor orkesten, die werd geërfd van de Italiaanse opera, en de karakteristieke Franse vijfdelige dispositie (Violen, Violas-in Hautes-contre, Tailles and Quintes-maten-en Bass violen) was in het ballet gebruikt vanaf het moment van Louis XIII.Hij introduceerde dit ensemble echter in het Lyric Theatre, met de bovenste delen vaak verdubbeld door recorders, fluiten en hobo's, en de bas door fouten.Trompetten en kettledrums werden vaak toegevoegd voor heroïsche scènes.[26]

De middelste barokke periode in Italië wordt bepaald door de opkomst van de vocale stijlen van cantate, oratorium, en opera In de jaren 1630, en een nieuw concept van melodie en harmonie die de status van de muziek tot een gelijkheid met de woorden verhoogde, die voorheen als vooraanstaand werd beschouwd.De bloemige, coloratura -monodie van de vroege barokke maakte plaats voor een eenvoudiger, meer gepolijste melodische stijl.Deze melodieën werden gebouwd van korte, cadiaal afgebakende ideeën vaak gebaseerd op gestileerde danspatronen getrokken uit de Sarabande of de courante.De harmonieën kunnen ook eenvoudiger zijn dan in de vroege barokmonodie, om op een lichtere manier expressie op de string en crescendos en diminuendos op langere noten te tonen.De bijbehorende baslijnen waren meer geïntegreerd met de melodie en produceerden een contrapuntale gelijkwaardigheid van de delen die later leidden tot het apparaat van een initiële bass -anticipatie van de Aria -melodie.Deze harmonische vereenvoudiging leidde ook tot een nieuw formeel apparaat van de differentiatie van recitatief (een meer gesproken deel van opera) en aria (een deel van de opera dat zongmelodieën gebruikte).De belangrijkste innovators van deze stijl waren de Romeinen Luigi Rossi en Giacomo Carissimi, die voornamelijk componisten waren van respectievelijk cantates en oratoriums, en de Venetiaan Francesco Cavalli, die voornamelijk een operacomponist was.Later belangrijke beoefenaars van deze stijl omvatten Antonio Cesti, Giovanni Legrenzi, en Alessandro Stradella.[27]

Arcangelo Corelli wordt herinnerd als invloedrijk voor zijn prestaties aan de andere kant van de muzikale techniek - als een violist die viooltechniek en pedagogiek organiseerde - en in puur instrumentale muziek, met name zijn belangenbehartiging en ontwikkeling van de concerto grosso.[28] Terwijl Lully aan het hof werd genesteld, was Corelli een van de eerste componisten die breed publiceerde en zijn muziek in heel Europa liet uitvoeren.Net als bij Lully's stilering en organisatie van de opera, is de Concerto Grosso gebouwd op sterke contrasten - secties afwisselen tussen die gespeeld door het volledige orkest en die gespeeld door een kleinere groep.Snelle secties en langzame secties werden tegen elkaar afgewisseld.Genummerd onder zijn studenten is Antonio Vivaldi, die later honderden werken hebben samengesteld op basis van de principes in Corelli's trio sonates en concerti.[28]

In tegenstelling tot deze componisten, Dieterich Buxtehude was geen wezen van de rechtbank, maar was in plaats daarvan kerkmuzikant, die de posten van organist en Werkmeister hield in de Marienkirche in Lübeck.Zijn taken als Werkmeister betroffen als de secretaris, penningmeester en zakelijke manager van de kerk, terwijl zijn positie als organist omvatte het spelen voor alle hoofddiensten, soms in samenwerking met andere instrumentalisten of vocalisten, die ook werden betaald door de kerk.Volledig buiten zijn officiële kerkelijke taken, organiseerde en regisseerde hij een concertreeks die bekend staat als de Abendmusiken, waaronder uitvoeringen van heilige dramatische werken die door zijn tijdgenoten worden beschouwd als het equivalent van opera's.[29]

Frankrijk:

Late barokke muziek (1680–1750)

George Frideric Handel

Het werk van George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach en hun tijdgenoten, waaronder Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi, Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann en anderen brachten het barokke tijdperk naar zijn climax.[34]

  • A.K.A. High Barok

Begin

Italië:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

Frankrijk:

Bredere adoptie

Italië:

Proliferatie:

Frankrijk:

Centraal Europa:

Overgang naar het klassieke tijdperk

Galant Music:

Bach's oudere zonen en leerlingen:

Mannheim School:

Tijdlijn van componisten

Zie ook: Lijst met barokke componisten
Giovanni Battista Pergolesi Baldassare Galuppi Carlos Seixas Johann Adolf Hasse Riccardo Broschi Johann Joachim Quantz Pietro Locatelli Giuseppe Tartini Leonardo Vinci Johann Friedrich Fasch Francesco Geminiani Nicola Porpora Silvius Leopold Weiss George Frideric Handel Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach Johann Gottfried Walther Jean-Philippe Rameau Johann David Heinichen Georg Philipp Telemann Jan Dismas Zelenka Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Johann Caspar Ferdinand Fischer Antonio Caldara Francois Couperin Alessandro Scarlatti Henry Purcell Marin Marais Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Heinrich Ignaz Biber Dieterich Buxtehude Marc Antoine Charpentier Jean-Baptiste Lully Jean-Henri d'Anglebert Johann Heinrich Schmelzer Barbara Strozzi Johann Jakob Froberger Giacomo Carissimi Antonio Bertali William Lawes Francesco Cavalli Samuel Scheidt Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Gregorio Allegri Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Jacopo Peri

Instrumenten

Hoofd artikel: Barokke instrumenten
Zie ook: Lijst met periode -instrumenten

Strijkers

Dubbele klavecimbel Door Vital Julian Frey, naar Jean-Claude Goujon (1749)
Individuele bladmuziek voor een zeventiende-eeuwse harp.[36]

Houtblazers

Messing

Toetsenborden

Percussie

Stijlen en vormen

Danssuite

Zie ook: Suite (muziek) § Dance Suite
De prestaties van een groot instrumentaal ensemble in de weelderig Teatro Argentinië, zoals afgebeeld door Panini (1747)

Een kenmerk van de barokke vorm was de danssuite. Sommige Dance Suites van Bach worden genoemd partitas, hoewel deze term ook wordt gebruikt voor andere collecties stukken.Terwijl de stukken in een danssuite werden geïnspireerd door echte dansmuziek, waren dansuites bedoeld om te luisteren, niet voor begeleidende dansers.Componisten gebruikten verschillende bewegingen in hun danssuites.Een danssuite heeft deze gewoonlijk bewegingen:

  • Ouverture- De barokke suite begon vaak met een Franse ouverture ("Ouverture" in het Frans), een langzame beweging gevolgd door een opeenvolging van voornamelijk vier verschillende soorten dansen:
  • Allemande- Vaak de eerste dans van een instrumentaal suite, de allemande was een zeer populaire dans die zijn oorsprong had in het Duits Renaissance tijdperk.De allemande werd gespeeld bij een gematigde tempo en zou kunnen beginnen op elke slag van de bar.[37]
  • Courante- De tweede dans is de Courante, een levendige, Franse dans in drievoudige meter.De Italiaanse versie wordt de Corrente genoemd.
  • Sarabande- De Sarabande, een Spaanse dans, is de derde van de vier basisdansen en is een van de langzaamste van de barokke dansen.Het is ook in drievoudige meter en kan beginnen met elke beat van de bar, hoewel er een nadruk ligt op de tweede beat, waardoor het karakteristieke 'halt' of het jambische ritme van de Sarabande wordt gecreëerd.[37]
  • Giechelen- Het gigue is een vrolijke en levendige barokke dans in samengestelde meter, meestal de slotbeweging van een instrumentale suite en de vierde van zijn basisdanstypen.De gigue kan beginnen met elke beat van de bar en wordt gemakkelijk herkend door zijn ritmische gevoel.De gigue is ontstaan in de Britse eilanden.Zijn tegenhanger in volksmuziek is de jig.[37]

De vier danstypen (Allemande, Courante, Sarabande en Gigue) vormen de meerderheid van de 17e-eeuwse suites.Latere suites interpoleren een of meer extra dansen tussen de Sarabande en Gigue:

  • Gavotte- De gavotte kan worden geïdentificeerd door zijn 4
    4     De tijd die altijd begint op de derde beat van de bar, hoewel het soms klinkt als de eerste beat, omdat de eerste en derde beats de sterke beats in viervoudige tijd zijn.De Gavotte wordt gespeeld in een gematigd tempo, hoewel het in sommige gevallen sneller kan worden gespeeld.
  • Bourrée- De Bourrée is vergelijkbaar met de Gavotte zoals hij is 2
    2     Tijd, hoewel het begint op de tweede helft van de laatste beat van de bar, waardoor een ander gevoel voor de dans wordt gecreëerd.De Bourrée wordt vaak gespeeld in een gematigd tempo, hoewel het voor sommige componisten, zoals Handel, op een veel sneller tempo kan worden genomen.[2]
  • Menuet-De Minuet is misschien wel de bekendste van de barokke dansen in drievoudige meter.Het heeft geen anacrusis.In sommige suites kan er een minuet I en II zijn, achter elkaar gespeeld, met de minuet die ik herhaalde, maar zonder de interne herhalingen.
  • Gepassepied- The Passepied is een snelle dans in binaire vorm en drievoudige meter die is ontstaan als een rechtbankdans in Bretagne.[38] Voorbeelden zijn te vinden in latere suites zoals die van Bach en Händel.
  • Rigaudon- De Rigaudon is een levendige Franse dans in Duple -meter, vergelijkbaar met de Bourrée, maar ritmisch eenvoudiger.Het is ontstaan als een familie van nauw verwante Zuid-Franse volksdansen, traditioneel geassocieerd met de provincies Vavarais, Languedoc, Dauphiné, en Provence.[39]

Er zijn veel andere dansvormen en andere stukken die in een suite kunnen worden opgenomen, zoals Polonaise, Loure, Scherzo, Lucht, enz.

Andere mogelijkheden

  • Inleiding- Een suite kan worden gestart door een prelude, een langzaam stuk geschreven in een improviserende stijl.Sommige barokke preludes waren niet volledig uitgeschreven;In plaats daarvan werd een reeks akkoorden aangegeven, met de verwachting dat de instrumentalist een melodisch onderdeel zou kunnen improviseren met behulp van het aangegeven harmonische kader.De prelude was niet gebaseerd op een soort dans.
  • Voorgerecht- Soms is een entree gecomponeerd als onderdeel van een suite;Maar daar is het puur instrumentale muziek en er wordt geen dans uitgevoerd.Het is een introductie, een marsachtig stuk dat wordt gespeeld tijdens de ingang van een dansgroep, of voor een ballet gespeeld.Meestal in 4
    4     tijd.Het is gerelateerd aan de Italiaanse 'Intrada'.
  • Basso continuo- Een soort continue begeleiding genoteerd met een nieuw muzieknotatiesysteem, figured bas, meestal voor een of meer onderhoudende basinstrumenten (bijv. cello) en een of meer akkoord-spelende instrumenten (bijvoorbeeld toetsenbordinstrumenten zoals zoals klavecimbel, pijp orgel of luit)
  • De concerto (een solo -stuk met orkestrale begeleiding) en concerto grosso
  • Monodie- Een uitloper van het nummer
  • Homofonie- Muziek met één melodieuze stem en ritmisch vergelijkbare (en ondergeschikte) akkordbegeleiding (deze en monodie staan in contrast met de typische renaissance textuur, polyfonie)[40]
  • Dramatische muzikale vormen zoals Opera, Dramma per muzika[41]
  • Gecombineerde instrumentale vocale vormen, zoals de oratorium en cantate,[41] die beide zangers en orkest gebruikten
  • Nieuwe instrumentale technieken, zoals tremolo en pizzicato[41]
  • De da capo aria "Genoten van zekerheid".
  • De Ritornello ARIA - Herhaalde korte instrumentele onderbrekingen van vocale passages.[42]
  • De concerto Stijl - Contrast in geluid tussen groepen instrumenten.[43]
  • Uitgebreid versiering,[44] die meestal werd geïmproviseerd door zangers en instrumentalisten (bijv. trillingen, mordenten, enz.)

Genres

Vocaal

Instrumentaal

Aantekeningen

  1. ^ a b c d e Palisca 2001.
  2. ^ a b c Mackay en Romanec 2007.
  3. ^ "Baroque - Wiktionary". en.wiktionary.org. Opgehaald 13 september 2021.
  4. ^ Palisca 1989, pp. 7–8.
  5. ^ Encyclopedie; Lettre sur la musique francaise onder leiding van Denis Diderot
  6. ^ Antoine Arnauld, Pierre Nicole, La logique ou l'art de penser, Deel drie, hoofdstuk VI (1662) (in het Frans)
  7. ^ "Baroque: Etymologie de Baroque". www.cnrtl.fr. Opgehaald 4 januari 2019.
  8. ^ Sachs 1919, pp. 7-15.
  9. ^ a b Bukofzer 1947, pp. 17ff.
  10. ^ a b Bukofzer 2013, "De fasen van barokke muziek" pp. 26–29.
  11. ^ Nuti 2007, p. 14.
  12. ^ Wallechinsky 2007, p. 445.
  13. ^ Chua 2001, p. 26.
  14. ^ Wainwright en Holman 2005, p. 4.
  15. ^ Clarke 1898, pp. 147–48.
  16. ^ Haagmans 1916, p. vi.
  17. ^ York 1909, p. 109.
  18. ^ Donington 1974, p. 156.
  19. ^ Watkins 1991, p. 103.
  20. ^ Norton 1984, p. 24.
  21. ^ Carter en Chew 2013.
  22. ^ Rollin & Ledbetter 2001.
  23. ^ a b LEDBETTER 2001.
  24. ^ Rollin 2001a.
  25. ^ Sadie 2013.
  26. ^ a b La Gorce 2001.
  27. ^ Bukofzer 1947, pp. 118–21.
  28. ^ a b Talbot 2001a.
  29. ^ Snyder 2001.
  30. ^ Rollin 2001b.
  31. ^ Ledbetter & Harris 2014.
  32. ^ Fuller 2001.
  33. ^ Fuller & Gustafson 2001.
  34. ^ Sadie 2002.
  35. ^ Dürr 1954.
  36. ^ "Muziek voor Barokharp". lib.ugent.be. Opgehaald 27 augustus 2020.
  37. ^ a b c Estrella 2012.
  38. ^ Little 2001a.
  39. ^ Little 2001b.
  40. ^ Hyer 2013.
  41. ^ a b c Shotwell 2002.
  42. ^ Talbot 2001b.
  43. ^ Carver 2013.
  44. ^ Roseman 1975.

Referenties

Verder lezen

  • Christensen, Thomas Street en Peter Dejans. Op weg naar tonaliteitsaspecten van barokke muziektheorie.Leuven: Leuven University Press, 2007. ISBN978-90-5867-587-3
  • Cyr, Mary. Essays over de uitvoering van barokke muziekopera en kamermuziek in Frankrijk en Engeland.Variorum Collected Studies Series, 899. Aldershot, Hants, Engeland: Ashgate, 2008. ISBN978-0-7546-5926-6
  • Foreman, Edward. Een Bel Canto -methode, of, hoe Italiaanse barokke muziek correct te zingen op basis van de primaire bronnen.Twentieth Century Masterworks on Singing, v. 12. Minneapolis, Minn: Pro Musica Press, 2006. ISBN978-1-887117-18-0
  • Hebson, Audrey (2012)."Dans en het belang ervan in Bach's suites voor solo cello", Musical Offings: Vol.1: nr. 2, artikel 2. Beschikbaar op http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol1/iss2/2.
  • Hoffer, Brandi (2012)."Sacred Duitse muziek in de dertig jaaroorlog", Musical Offings: Vol.3: nr. 1, artikel 1. Beschikbaar op http://digitalcommons.cedarville.edu/musicalofferings/vol3/iss1/1.
  • Schubert, Petrus en Christoph Neidhöfer. Barok.Upper Saddle River, NJ: Pearson Prentice Hall, 2006. ISBN978-0-13-183442-2
  • Schulenberg, David. Muziek van de barok. New York: Oxford UP, 2001. ISBN978-0-19-512232-9
  • Stauffer, George B. De wereld van Barokke Music New Perspectives.Bloomington: Indiana University Press, 2006. ISBN978-0-253-34798-5
  • Strunk, Oliver. Bronwaarden in de muziekgeschiedenis.Van klassieke oudheid tot het romantische tijdperk.Londen: Faber & Faber, 1952.

Externe links